Ânfora proto-geométrica

Ânfora proto-geométrica


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Estilo protogeométrico

o Estilo protogeométrico (ou "proto-geométrica") é um estilo de cerâmica da Grécia Antiga liderado por Atenas, produzido entre aproximadamente 1030 e 900 aC, [1] no primeiro período da Idade das Trevas grega. [2] Após o colapso da cultura do Palácio Micênico-Minóico e da Idade das Trevas grega que se seguiu, o estilo protogeométrico emergiu por volta de meados do século 11 aC como a primeira expressão de uma civilização revivida. Seguindo o desenvolvimento de uma roda de oleiro mais rápida, os vasos deste período são notavelmente mais tecnicamente realizados do que os exemplos anteriores da Idade das Trevas. A decoração destes vasos restringe-se a elementos puramente abstratos e muitas vezes inclui largas faixas horizontais em volta do pescoço e na barriga e círculos concêntricos aplicados com compasso e pincel múltiplo. Muitos outros motivos simples podem ser encontrados, mas ao contrário de muitas peças no seguinte estilo geométrico, normalmente grande parte da superfície é deixada simples. [3]

Como muitas peças, o exemplo ilustrado inclui uma mudança de cor na banda principal, decorrente de uma falha de disparo. Tanto a cor vermelha quanto a preta usam a mesma argila, levigada e cozida de maneira diferente. À medida que os gregos aprenderam a controlar essa variação, o caminho para sua técnica de disparo trifásica distinta se abriu.

Algumas das inovações incluíram algumas novas formas de influência micênica, como a ânfora com o punho na barriga, a ânfora com o punho no pescoço, o krater e o lekythos. Os artistas do sótão redesenharam esses vasos usando a roda rápida para aumentar a altura e, portanto, a área disponível para decoração.


Escultura no Período Geométrico Grego

Embora derivadas de formas geométricas, as esculturas da Grécia Antiga do Período Geométrico mostram algumas observações artísticas da natureza. As antigas esculturas gregas do Período Geométrico, embora derivadas de formas geométricas, evidenciam uma observação artística da natureza em algumas circunstâncias. Esculturas em pequena escala, geralmente feitas de bronze, terracota ou marfim, eram comumente produzidas nessa época. Os bronzes eram feitos com a técnica de cera perdida, provavelmente introduzida da Síria, e muitas vezes deixados como oferendas votivas em santuários como Delfos e Olímpia.

Figuras Humanas

As figuras humanas são feitas de um triângulo como um torso que sustenta uma cabeça bulbosa com um queixo e nariz triangulares. Seus braços são cilíndricos e apenas as pernas têm uma forma um pouco mais naturalista. Esses atributos podem ser vistos em uma pequena escultura de um homem sentado bebendo em uma xícara que exibe as figuras de modelagem típicas como formas simples e lineares que encerram um espaço aberto. Especialmente notáveis ​​são seus braços alongados que refletem as dimensões de suas pernas.

Uma representação relativamente naturalista das pernas humanas também é evidente em Homem e Centauro, também conhecido como Hércules e Nessos (c. 750–730 aC). Sem as costas e as patas traseiras eqüinas, a porção centauro da escultura é um homem mais baixo com pernas humanas.

Como o homem sentado acima, as duas figuras apresentam braços alongados, com o braço direito do centauro formando uma linha contínua com o braço esquerdo do homem. Enquanto o homem sentado parece barbeado, as figuras em Homem e Centauro usam barbas, que geralmente simbolizam a maturidade. As órbitas vazias da figura do homem provavelmente já tiveram uma incrustação para uma aparência mais realista.

Bonecos de Animais

Animais, incluindo touros, veados, cavalos e pássaros, também eram baseados na geometria. As estatuetas de cavalo eram comumente usadas como oferendas aos deuses. Os próprios animais se tornaram símbolos de riqueza e status devido ao alto custo de mantê-los. Corpos equinos podem ser descritos como retângulos presos no meio com pernas e caudas retangulares que são semelhantes em forma de cervos ou touros.

As cabeças desses mamíferos são mais distintas, como o pescoço do cavalo arqueia, enquanto o touro e o veado têm faces cilíndricas distinguidas por chifres ou orelhas. Enquanto os animais e as pessoas se baseiam em formas geométricas básicas, os artistas observam claramente seus temas, a fim de destacar esses personagens distintos.

  • O Período Geométrico marcou o fim da Idade das Trevas da Grécia e durou de 900 a 700 aC.
  • O Período Geométrico deriva seu nome da predominância de motivos geométricos na pintura de vasos.
  • Krateras monumentais e ânforas foram feitas e decoradas como lápides. Estes vasos são característicos da pintura geométrica de vasos durante este período.
  • Os vasos mais famosos desse período usam uma técnica chamada horror vacui, em que cada espaço da superfície é preenchido com imagens.
  • As esculturas geométricas são principalmente em pequena escala e feitas de bronze, terracota ou marfim.
  • As figuras de bronze foram produzidas usando o método de fundição de cera perdida.
  • As figuras humanas e animais produzidas durante este período têm características geométricas, embora as pernas dos humanos pareçam relativamente naturalistas.
  • Bronzes geométricos eram normalmente deixados como oferendas votivas em santuários e santuários, como os de Delfos e Olímpia.
  • Os cavalos passaram a simbolizar riqueza devido aos altos custos de sua manutenção.

Adaptado de & # 8220Boundless Art History & # 8221 https://courses.lumenlearning.com/boundless-arthistory/chapter/the-geometric-period/ Licença: CC BY-SA: Atribuição-Compartilhamento pela mesma

Uma era de motivos abstratos e estilizados na pintura e escultura de vasos da Grécia Antiga. O período foi centrado em Atenas e floresceu de 900 a 700 AC.

Um antigo recipiente grego para misturar água e vinho.

Tipo de argila de cor vermelho-acastanhada. Um termo italiano que significa "terra cozida".

O método mais comum de usar metal fundido para fazer esculturas ocas e únicas. Quando o calor é aplicado ao molde de argila, a camada de cera dentro derrete e forma canais, que o artista então preenche com metal fundido.


Ânfora proto-geométrica - História

Guerreiro Caído, Templo de Aphaia, Aegina (Imagem de ANU).

o Ilíada é um grande poema, mas também aquele que apresenta uma série de dificuldades para o leitor que o lê pela primeira vez. Esta página foi projetada para ser um ponto de partida para ajudá-lo a superar algumas das dificuldades comuns que os leitores têm com Homer Ilíada, e também para fornecer ferramentas para aprimorar e aprofundar sua leitura do poema.

Clique em qualquer um dos tópicos a seguir para explorá-los mais a fundo.

4. Textos em inglês e grego do Ilíada para busca de palavras.

6. Sítios Arqueológicos de interesse para o Ilíada.

7. Algumas perguntas frequentes ao ler o Ilíada pela primeira vez.



1. Geografia Homérica.

Não temos certeza de onde todos os lugares mencionados no Ilíada e Odisséia foram localizados, mas a tradição posterior e as escavações arqueológicas modernas nos ajudaram a obter conhecimento dos locais. Aqui está um mapa que lista alguns dos locais mais importantes e alguns dos heróis e heroínas associados a eles. Os nomes de sites e pessoas gregos estão em roxo e Trojan em vermelho.


Mapa desenvolvido por Daphne Kleps.

Para procurar outros sites mencionados no Ilíada, você pode tentar pesquisar o atlas fornecido pelo Projeto Perseus na Tufts University.

Há também um excelente Glossário no final da tradução de Lattimore do Ilíada que inclui nomes de lugares.


2. Cronologia Básica das Epopéias Homéricas
(todas as datas a.C.)

c. 1800-1250 Troy VI
c. 1500-1120 Civilização Micênica
c. 1250 possível data da queda histórica de Tróia VI
1183 data tradicional da queda de Tróia

c. 1100-750 histórias da queda de Tróia transmitidas de forma oral
c. 1100 invasão dórica da Grécia
c. 1050-950 Colonização grega da Ásia Menor (costa oeste da Turquia)
c. 900 Início da ascensão da polis (cidade-estado)

c. 800-700 Ascensão das aristocracias
776 Jogos Olímpicos estabelecidos
c. Começa a colonização grega de 750 no sul da Itália e Sicília
c. 750 Introdução de um novo alfabeto, escrita gradualmente introduzida
c. 720 Homer, Ilíada
c. 700 Hesíodo, Teogonia e Trabalhos e Dias
c. 680 Homer, Odisséia Archilochus (poeta lírico)
c. Começa a colonização grega em torno do Mar Negro em 650
c. 600 Safo (poeta lírico) Thales (filósofo)
594-593 Arcontia de Sólon em Atenas
545-510 Tirania dos Peisistrátidas em Atenas
c. 540 Cantando poemas homéricos começa no festival Panathenaic
533 Thespis vence a primeira competição de tragédia em Atenas
508 Clístenes reforma a Constituição ateniense

490-479 Guerra Persa
458 Ésquilo, Oresteia
461-429 Péricles dominante na política ateniense, a "Era de Periclean"
c. 450-420 Heródoto compõe seu Histórias sobre a Guerra Persa.
447 Partenon iniciado em Atenas
431-404 Guerra do Peloponeso (Atenas e aliados vs. Esparta e aliados)
c. 428 Sófocles, Édipo o Rei
c. 424-400 Tucídides compõe seu História da Guerra do Peloponeso
404 Atenas perde Guerra do Peloponeso para Esparta
399 Julgamento e morte de Sócrates



3. Contorno do Ilíada

o Ilíada é um poema muito longo e é difícil manter todas as pessoas, lugares e eventos corretos. Este esboço fornece um resumo da ação em cada um dos 24 livros. Use-o para revisar o que acontece em cada livro ou para localizar uma cena em particular.


4. Textos ingleses e gregos do Ilíada para busca de palavras.

Esta página permite que você encontre passagens no Ilíada em grego ou inglês. Ele também permite que você pesquise palavras no texto em inglês ou grego.

A. O texto em inglês do Ilíada do Projeto Perseus.

B. O texto grego do Ilíada do Projeto Perseus.

C. Pesquise a palavra em inglês no Ilíada.

D. Pesquise a palavra grega no Ilíada.


5. Homero e Arte

o Ilíada e Odisséia foram compostas em uma cultura na qual a arte desempenhou um papel central. Os próprios poemas referem-se a produções artísticas, principalmente o escudo elaboradamente decorado que Hefesto fez para Aquiles em Ilíada 18. Além disso, muitos dos heróis e episódios descritos nos poemas homéricos tornaram-se temas populares para escultura e pintura. Aqui está um gráfico que lista os principais períodos da arte grega, junto com exemplos de dois dos períodos e descrições de algumas das principais características relacionadas aos poemas homéricos. Mais exemplos serão adicionados assim que estiverem disponíveis.

1. Período micênico (1600-1200)

Este é o tempo contemporâneo aos eventos "históricos" descritos no Ilíada e Odisséia.
2. Períodos proto-geométricos e geométricos (1050-750)

Dipylon Amphora (Saskia JGCO330.GIF)

Esta ânfora, agora no Museu Nacional de Atenas, data de cerca de 760 aC, época em que o Ilíada e Odisséia estavam tomando forma. Esta peça é típica de grandes ânforas geométricas (5 pés de altura) que foram usadas como marcadores de tumbas nos cemitérios nos arredores de Atenas. A maior parte do vaso é decorada com intrincados desenhos geométricos, exceto por duas bandas de animais estilizados no pescoço e a cena central de luto entre as duas alças. A cena central retrata a parte de um funeral grego conhecido como o prótese, ou deitado fora do corpo. O cadáver é mostrado deitado em um leito fúnebre, cercado por pessoas que lamentam e arrancam seus cabelos. A cena pode representar um funeral contemporâneo ou de um herói do passado mítico.

As próximas duas imagens mostram detalhes da ânfora.

3. Período de orientação (720-620)


4. Período arcaico (620-480)

Aquiles e Ajax jogando um jogo de tabuleiro.

Este vaso ático de figura negra no Museu do Vaticano foi produzido por Exekias em Atenas por volta de 530 AC. Ele retrata Aquiles e Ajax jogando um jogo de tabuleiro durante uma calmaria na luta ao redor de Troia.

5. Período clássico (480-323)



6. Sítios arqueológicos de interesse para o Ilíada.

Os arqueólogos fizeram muito no século passado para aumentar nosso conhecimento sobre uma série de locais mencionados no Ilíada e Odisséia. Relatos úteis do que sabemos sobre alguns desses sites são fornecidos pelo Projeto Perseus. Perseus fornece breves descrições geográficas e físicas, lista escavações arqueológicas modernas feitas nos locais, observa os vestígios arquitetônicos e fornece (para alguns locais) uma planta do local com setas nas quais você pode "clicar" para ver vistas de locais específicos nos locais . Assim, é possível "caminhar" os restos de Micenas de Agamenon ou Pilos de Nestor por conta própria! Aqui está uma lista dos sites de Perseu que mais interessam aos leitores de Homero.


7. Algumas perguntas "factuais" comumente feitas ao ler o Ilíada pela primeira vez.

Ninguém sabe. Mesmo os antigos gregos não conseguiam concordar sobre quando e onde Homero morava. Um relato popular é que ele nasceu em algum momento do século 8 aC em Esmirna, na Ásia Menor, viveu na ilha de Chios e morreu na pequena ilha de Ios. Os escritores gregos também afirmavam que ele era cego, que seu nome verdadeiro era Melesigines e que seu pai era o rio Meles e sua mãe uma ninfa chamada Kretheis.

Embora não pudessem concordar sobre os detalhes de sua vida, os gregos antigos não duvidavam de que havia um poeta chamado Homero que havia escrito o Ilíada, a Odisséia, e possivelmente uma série de outros poemas. Muitos estudiosos modernos contestam até mesmo isso. Estudiosos dos últimos duzentos anos estabeleceram que o Ilíada e Odisséia são produtos de uma longa tradição oral que se consolidou em algum momento do século VIII aC. Como exatamente os poemas tomaram sua forma final (foi obra de uma pessoa ou de várias? O processo envolveu a escrita?) Ainda é uma questão de especulação.

2. é o Ilíada historicamente preciso?

Depende do que você entende por "historicamente preciso". Os historiadores modernos geralmente concordam que o Ilíada reflete um conjunto de eventos históricos, mas discorda sobre a relação do Ilíada a esses eventos. A maioria dos historiadores aceita que em algum ponto por volta de 1250-1200 aC a cidade de Tróia foi destruída por um grupo de invasores do continente grego. A maioria também acredita que o poema, embora provavelmente errado na maioria de seus detalhes históricos, reflete algumas realidades históricas da Idade do Bronze Final e Idade das Trevas (1200 - 900 aC) que são consistentes com o registro arqueológico.

3. Como você mantém todos os nomes de pessoas, lugares e deuses corretos?

É difícil no começo. Há um bom glossário no final da tradução de Lattimore, e também é útil manter sua própria lista de pessoas que apareceram mais de uma vez.


Lexic.us

Abaixo você encontrará um exemplo de uso deste termo como encontrado na literatura moderna e / ou clássica:

1. Cerâmica Helenística e Terracota de Homer A. Thompson, Dorothy Burr Thompson (1987)
"5t, pi. IV Ath. Mitt. XXVI, 1901, p. Ml, Xo. 31 & # 39 !. Para protogeométrico . Nosso crescente conhecimento do Sótão protogeométrico (um tecido que ainda conhecemos. "

2. Ceramicus Redivivus: o campo dos oleiros da Idade do Ferro na área de por John K. Papadopoulos (2003)
"PG IV representa Tarde protogeométrico. Além de protogeométrico I-IV, ela discerniu uma fase que outros chamariam. "

3. Um santuário de Zeus no Monte Hymettos de Merle K. Langdon (1976)
"Atrasado protogeométrico. 195. Base de um krater. H 597. PH 0,09 m. . Atrasado protogeométrico. EARLY GEOMETRIC 197. Pescoço de uma ânfora. PI. 18. H465. PH 0.146m. . "

4. A Arte da Antiguidade: Piet de Jong e a Ágora de Atenas, de John K. Papadopoulos, Piet De Jong (2007)
"285, 55) Atrasado protogeométrico Urnas de cinerário nas tumbas C 9:13 e E 12: 1 Altura: P 8041: 0,347 P 3169: 0,255 P 8041: Não publicado mencionado em Desborough 1952. "

5. O Santuário de Demeter e Kore: Topografia e Arquitetura por Nancy Bookidis (1997)
"600 aC Os primeiros objetos escavados no Terraço do Meio são alguns fragmentos do Mycenaean, protogeométricoe períodos geométricos. . "

6. Studies in Attic Epigraphy, History, and Topography, de Eugene Vanderpool (1982)
“A segunda parte da tese, ainda aceita, de que a protogeométrico estilo de cerâmica foi uma invenção ateniense de meados do século 11 aC e tal. "

7. Corinth: The Centenary, 1896-1996 por Charles K. Williams, Nancy Bookidis (2003)
". Williams identificou uma série de cacos, principalmente derivados de xícaras, que se estendem desde o protogeométrico período para baixo em tempos arcaicos. . "


Protogeometric Amphora.

Ânfora protogeométrica., C. 975-950 AC.

No período geométrico que se seguiu, as figuras voltaram a estar presentes na embarcação. O período durou de 900 a 700 aC e marcou o fim da Idade das Trevas grega. Uma nova cultura grega emergiu durante este tempo. A população cresceu, o comércio recomeçou e os gregos adotaram o alfabeto fenício para a escrita. Ao contrário dos micênicos, essa cultura estava mais voltada para o povo da polis, o que se reflete na arte desse período. O período recebe o nome da confiança em formas e padrões geométricos e até mesmo seu uso na representação de figuras humanas e animais.

A cidade de Atenas tornou-se o centro de produção de cerâmica. Um bairro de oleiro na seção da cidade conhecida como Kerameikos estava localizado em ambos os lados do Portão Dipylon, um dos portões oeste da cidade. Os oleiros viviam e trabalhavam dentro do portão da cidade, enquanto fora do portão, ao longo da estrada, havia um grande cemitério. No período geométrico, krateras de tamanho monumental e ânforas de até seis pés de altura eram usadas como lápides para os sepultamentos do lado de fora do portão. Kraters marcava sepulturas masculinas, enquanto ânforas marcavam sepulturas femininas.

O Mestre Dipylon, um pintor desconhecido cuja mão é reconhecida em muitos vasos diferentes, mostra a grande perícia necessária ao decorar esses marcadores funerários. As embarcações foram primeiro arremessadas a uma roda, um importante desenvolvimento tecnológico da época, antes do início da pintura. Tanto o Diplyon Krater quanto o Dipylon Amphora demonstram as principais características da pintura dessa época. Por um lado, todo o navio é decorado em um estilo conhecido como horror vacui, um estilo em que toda a superfície do meio é preenchida com imagens. No lábio do krater e em muitos registros da ânfora, está um meandro decorativo. Este motivo geométrico é construído a partir de uma única linha contínua em uma forma ou motivo repetido.

A cena principal é representada na parte mais larga do corpo da panela. Essas cenas se relacionam com o aspecto funerário da panela e podem representar pessoas de luto, um prótese (um ritual de deposição do corpo e luto), ou mesmo jogos funerários e procissões. No Dipylon Krater, dois registros representam uma cena processional, um ekphora, (o transporte do corpo para o cemitério) e o prótese . O homem morto da prótese a cena é vista no registro superior. Ele é colocado em um esquife e os enlutados, que se distinguem pelas mãos que arrancam os cabelos, cercam o corpo. Acima do corpo está uma mortalha, que o artista retrata acima e não sobre o corpo, a fim de permitir ao observador ver a cena inteira. No registro abaixo, bigas e soldados formam uma procissão funerária. Os soldados são identificados por seus escudos de formato único. A ânfora Dipylon retrata apenas um prótese em um amplo registro ao redor do pote. Em ambos os vasos, homens e mulheres são distinguidos por triângulos salientes em seu peito ou cintura para representar seios ou um pênis. Cada espaço vazio nessas cenas é preenchido com formas geométricas - M's, diamantes, starbursts - demonstrando a forma geométrica do pintor horror vacui.


Este artigo foi adaptado das palestras da Sra. Aptaker e # 8217s em História da Arte no Instituto de Tecnologia de Nova York

Vamos enfrentá-lo, entre em uma galeria de museu de estátuas gregas antigas e vasos pintados e você poderá ter a impressão de que por cerca de quinhentos anos por volta de 600 AEC (este artigo usará a designação mais recente de AEC, Antes da Era Comum) a população masculina da Grécia vivia sem roupa. 1 Há atletas nus, soldados nus, homens jovens bonitos que eram famosos apenas por serem bonitos nus. Em contraste, os faraós, nobres e homens aristocráticos do antigo Egito não seriam pegos mortos em representações de si mesmos sem uma saia ou cortina de algum tipo que indicava sua posição ou estatura na sociedade. Idem para os homens da Mesopotâmia. Os romanos posteriores, embora imitassem as estátuas nuas da Grécia, com a mesma frequência encomendaram estátuas de si mesmos em armaduras de guerreiros e # 8217 ou vestimentas aristocráticas para chamar a atenção para seu heroísmo militar ou importância política.

Então, por que a atitude dos antigos gregos era tão diferente de outras culturas antigas em relação à nudez? A culpa é da matemática.

Se essa resposta parece fácil, considere o seguinte: o grande escultor do século V AEC, Policleto, escreveu um tratado chamado O Cânon, ou O Cânon da Proporção, que ditava proporções e relações matemáticas específicas para todas as partes do corpo humano. Policleto baseou suas fórmulas no trabalho atribuído ao matemático Pitágoras do século VI aC, cujo teorema notável ainda está em uso hoje.

Mas Polykleitos & # 8217 Canon, brilhante como era e é, simplesmente codificou uma forma de pensar, uma forma de expressar beleza, que vinha evoluindo na Grécia há séculos. Podemos realmente ver o início dessa forma de pensar e podemos nos maravilhar que ela apareceu em uma época em que o caos e a violência deixaram a civilização grega por um fio.

A queda da civilização micênica na Grécia continental, começando por volta de 1200 aC, marcou o início da Idade das Trevas grega. Invasores do norte e da Jônia no leste invadiram a outrora esplêndida civilização heróica da Idade do Bronze e substituíram-na com a violência da guerra constante e o deslocamento de populações inteiras de cidades e aldeias saqueadas. Essa situação miserável durou mais de duzentos anos, mas por volta de 1000 aC as coisas começaram a se acalmar lentamente. A vida cotidiana ainda era sombria e perigosa, a violência continuava, mas aqui e ali uma cultura revitalizante começou a se enraizar, principalmente através de itens de necessidade diária, afinal, mesmo que sua comunidade não precise mais de palácios, sua pequena cabana ainda precisa de xícaras e potes e tigelas. É na cerâmica grega primitiva que vemos o início de uma forma de pensar que eventualmente se tornou a expressão mais sofisticada do mundo antigo da beleza da figura humana, particularmente o nu masculino.


Fig. 1 - Ânfora proto-geométrica, ca. 950 AC,
terracota, 13 & # 190 & # 8221 de altura. Museu Britânico, Londres

Esta ânfora (Fig.1) data de cerca de 950 AC. O estilo, denominado proto-geométrico, é simples e estritamente utilitário: linhas e formas movendo-se pela superfície do vaso. O período protogeométrico, aproximadamente o décimo século AEC, estabelece a base para tudo que está por vir na arte grega. 2 Neste vaso e em outros do período, vemos o início do fascínio grego pela matemática racional, especialmente a geometria. Tudo começou com utensílios de uso diário decorados com linhas simples.

Embora outras culturas antigas também decorassem sua cerâmica com linhas e formas semelhantes, o que há de novo aqui, e o que é exclusivamente grego, é uma relação conscientemente harmoniosa entre a forma do vaso e a decoração da superfície. Cada faceta da decoração ocupa uma parte específica da estrutura e visa delinear os volumes, que se encontram em proporção harmoniosa entre si:

- o preto sólido do pescoço alto com um padrão xadrez circular posicionado como um colar

-as bandas sólidas no ombro

- a onda ondulante em torno da barriga e a forma de inchaço da barriga contida por outra faixa sólida abaixo

- o espaço vazio & # 8220reservado & # 8221 acima do pé dando a tudo acima uma leveza visual, uma leveza

-o conjunto apoiado de forma cómoda e segura na sólida banda do pé.

Observe que eu usei os nomes de partes do corpo humano para as partes do vaso: pescoço, ombro, barriga, pé. Os gregos acreditavam que a estrutura orgânica da cerâmica é análoga à estrutura orgânica equilibrada da forma humana e que ambas podiam ser explicadas pelos princípios da geometria.

Embora a matemática e a geometria sejam racionais, para os gregos, mesmo no período protogeométrico, a matemática e a geometria não são frias. Os gregos deram um calor filosófico à matemática, casando os princípios da racionalidade com o espírito da filosofia, que eventualmente desenvolveram na ideia clássica do humanismo.

Durante os séculos anteriores ao desenvolvimento da democracia em Atenas em 508 aC, as cidades-estado da Grécia, como todas as outras civilizações antigas, eram governadas por reis. O Faraó egípcio, por exemplo, era considerado um deus vivo na Terra. Mas a relação dos gregos até com seus líderes mais poderosos ou despóticos era bem diferente da de outros reinos. Os reis gregos se consideravam seres humanos, meros mortais, não deuses na terra. Se os reis gregos tinham uma conexão divina com qualquer um de seus deuses, era porque sua mãe ou pai humano se acasalou com um deus ou deusa e a criança resultante era, na melhor das hipóteses, um meio-deus, chamado de semideus, e apenas por causa do processo humano de relações sexuais e procriação (os deuses, entre si, podiam se reproduzir partenogenicamente). Essa grande diferença de perspectiva, de que os seres humanos, e não os deuses, eram, como escreveu o filósofo grego Protágoras, & # 8220 a medida de todas as coisas & # 8221 na terra, foi o que permitiu aos gregos unir a racionalidade da matemática ao calor de filosofia humanista e, por extensão, a uma apreciação do corpo humano como uma evocação ideal dessa unidade.


Fig. 2A


Fig. 2B

Figs. 2A e 2B-Dipylon Krater, do cemitério Dipylon,
Atenas, ca. 740 AC.
3 & # 8217 4 1/2 & # 8221 altura Metropolitan Museum of Art, Nova York

Por volta do século VIII aC, um estilo geométrico totalmente desenvolvido estava em ascensão, como podemos ver neste krater monumental do cemitério Dipylon em Atenas (Fig. 2A). Este enorme pote, com quase um metro e meio de altura, não era para uso doméstico, mas servia como um túmulo, assim como uma lápide é usada hoje. As cenas pintadas representam o serviço fúnebre e o luto (registro superior de figuras) e cortejo fúnebre ou desfile militar (registro inferior de figuras) em homenagem ao cavalheiro falecido que vemos deitado sobre o esquife fúnebre (Fig. 2B, centro). As propriedades racionais da geometria informaram as proporções físicas do vaso (que estão em perfeito equilíbrio aqui) e a renderização das figuras, que são expressas em uma linguagem puramente geométrica: ovais para triângulos de cabeças para a parte superior do corpo formas de losango para quadris e retângulos de pernas ou linhas de armas. Os braços erguidos das mulheres enlutadas (que estão arrancando os cabelos de luto) em ambos os lados do esquife fúnebre se curvam em ângulos retos puros para formar retângulos e quase quadrados.

Embora esse uso de formas cotidianas para representar a forma humana (e animal) possa parecer simplista, cerca de um século de desenho dessa maneira deu aos artistas gregos uma compreensão profunda das propriedades da forma e das relações proporcionais entre as partes do corpo humano. Essa confiança, juntamente com a crença grega de que os seres humanos e a experiência humana são as questões centrais da existência diária, que o & # 8220 aqui e agora & # 8221 é mais imediatamente relevante do que a eternidade, que era a província dos deuses imortais em qualquer evento e sobre o qual os seres humanos tinham pouco ou nada a dizer, deu aos artistas gregos as habilidades e o estado de espírito para dar o próximo salto em seu notável desenvolvimento da figura nua.


Fig. 3-Kouros, ca. 590 a.C. Mármore, 6 & # 8217 & # 189 & # 8221 altura
Metropolitan Museum of Art, NY

Embora seja justo dizer que o desenvolvimento da arte grega e sua ênfase no humano e não no religioso foi único no mundo antigo, também deve ser reconhecido que os artistas gregos não se desenvolveram isoladamente. Embora este kouros (fig. 3), que significa uma estátua de um jovem nu do sexo masculino, exiba aqueles valores que podemos identificar como exclusivamente gregos, ele também exibe a influência do Egito, o poder dominante e a cultura ao longo de grande parte da história antiga. Como a estatuária egípcia, 3 este kouros está em uma postura frontal rígida, com as mãos fechadas ao lado do corpo e uma perna para a frente.

Mas a semelhança acaba ali. Ao contrário das figuras egípcias, que deveriam expressar um eterno imutável, este kouros torna visível a filosofia grega da beleza masculina, harmoniosa de rosto e corpo e, acima de tudo, ativa e atlética.

Para começar, o jovem está nu, enquanto as figuras egípcias estavam vestidas. Além disso, as figuras egípcias em pé eram ancoradas a um bloco de pedra de suporte, 4 mas este kouros é autônomo. Essa conquista não é apenas técnica, mas também representa uma expressão filosófica.

Lidando primeiro com o aspecto técnico, o equilíbrio necessário para alcançar uma figura de pedra independente foi o resultado do profundo conhecimento dos gregos sobre geometria e suas propriedades. Das lições inerentes à tectônica da cerâmica às formas geométricas pintadas que anteriormente expressavam a forma humana, por volta do século VI aC, o período arcaico, os escultores gregos estavam preparados para produzir figuras em tamanho natural que ficavam tão confiantes em seus pés quanto os vivos seres humanos.

Esteticamente, o kouros na Figura 3 é pura e totalmente grego. É criado através de formas geométricas: ainda vemos o oval para a cabeça um tronco triangular e losangos para formar as pernas. E filosoficamente é grego, expressando uma ideia de masculinidade juvenil não como piedosa ou heróica, mas como bela. Essa beleza é uma expressão do ideal de harmonia e equilíbrio, dois atributos da matemática racional que os gregos acreditavam que contribuíam para a beleza de todas as coisas, incluindo o próprio pensamento.

No início do período clássico, quando a confiança cultural grega estava no auge e não mais sob a influência restritiva do Egito, a filosofia e a arte gregas alcançaram sofisticação & # 8212 e, na arte, a habilidade técnica & # 8212 que permitiu aos filósofos e artistas lidar com isso a mais humana das experiências, sensualidade.

Fig. 4-Kritios Boy ca. 480 AC, Atenas,
Mármore, 2 & # 8217 10 & # 8221 altura. Museu da Acrópole, Atenas

Essa antiga figura clássica chamada Kritios Boy, datando de cerca de 480 aC, compartilha a postura de uma perna para a frente / frente de seus predecessores kouros, mas aqui a geometria das formas reunidas é mais relaxada, mais natural. Acredita-se que Kritios Boy seja a primeira figura humana esculpida a empregar contrapposto, significando & # 8220 mudança de peso & # 8221 O escultor entendeu que os seres humanos não ficam em poses rígidas (exceto quando estão & # 8220atenção & # 8221 como soldados) reais os seres humanos deslocam seu peso e seu corpo, posicionando-se ao longo do eixo vertical da coluna vertebral.

O contrapposto do Menino Kritios é criado por:

- o leve mergulho do quadril direito enquanto equilibra o peso na perna esquerda (traseira)

-a flexão da perna da frente no joelho, à vontade

-sua cabeça virou ligeiramente para a direita, ao contrário do arcaico kouroi de pescoço duro.

Essa postura mais natural, derivada da aplicação racional da matemática para atingir um equilíbrio de proporção, dá a Kritios Boy não apenas uma aparência mais natural, mas sensual. O que está sendo celebrado aqui não é heroísmo ou poder, o que está sendo celebrado é beleza da forma e da carne como um ideal filosófico de vida expresso por proporções harmoniosas, facilidade de postura, calma de expressão.

Apenas cerca de trinta anos depois que o escultor desconhecido criou o Menino de Kritios, o próprio Policleto trouxe o espírito da arte grega à magnificência total com uma série de esculturas que são obras-primas de seu Cânon de Proporção. Em seu Doryphoros (Spear Carrier) (Fig. 5), Polykleitos expressou harmonia, equilíbrio e beleza através da adesão estrita às suas fórmulas matemáticas para as proporções e massas geométricas da figura nua. 5 Tendo a matemática como fundamento absoluto, ele foi então capaz de criar um contrapposto assertivo, dando à figura a graciosa curva em S que se tornaria icônica na escultura grega. Polykleitos reforçou ainda mais a graça do contrapposto com a harmonia do & # 8220cross equilíbrio & # 8221: o braço dobrado é diagonalmente oposto à perna reta, enquanto o braço reto é diagonal à perna dobrada.

Polykleitos’ Canon would remain the standard for Greek sculpture through its Classical and Hellenistic periods and into the art of Rome. The grace and sensuality celebrated by the Classical nude influenced later masters such as Michelangelo, whose monumental David (1501-1504) is a sensual descendent 6 of Polykleitos’ contrapposto and cross balance. And though figurative art is less dominant today, the human need for sensual expression never dies. Who would have thought it could be expressed in math?

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1. Female figures in Greek art were more often clothed.

2. Technical advances in pottery manufacture developed during the Proto- geometric period are further described in Richter, Gisela M.A., A Handbook of Greek Art A Survey of the Visual Arts of Ancient Greece, Seventh Edition, Phaidon Press Ltd., London, 1974 Boardman, John, Early Greek Vase Painting, Thames and Hudson, London, 1998 and others.

3. The period of Egyptian art and history referred to encompasses the Old Kingdom, ca. 2574-2134 BCE through the New Kingdom, ca. 1550-1070 BCE, which, with the exception of the Amarna period, ca. 1353-1335 BCE, essentially set the form which was maintained throughout most of Egyptian art until the Ptolemaic period, ca. 305 BCE-6 BCE. The Ptolemaic rulers, being Greek (after the conquest of Egypt by Alexander the Great), brought Greek influence into late Egyptian art. The defeat of Egypt by the Romans in 6 BCE, further Classicized Egyptian art.

4. Egyptian figures sculpted of wood or smaller than life-size figures in stone were often free-standing. The distribution and balance of weight of life-size and monumental stone figures in Egypt, however, usually necessitated an anchoring block.

5. This figure is a later copy, in marble, made in Rome for the Palestra athletic stadium in Pompeii. The original Greek statue was created cast in bronze. This situation is true of a considerable number of Greek statues, many of them originally bronze, since lost to time. Nevertheless, as far as we know, the ancient Roman sculptors were entirely faithful in their reproductions of the original Greek. Without these Roman copies, we would not know as much about the remarkable development of Greek sculpture. We are especially certain of the Romans’ accuracy of Polykleitos’ works because Roman sculptors strictly followed Polykleitos’ instructions, as written in his Canon.


6. Though the David is clearly influenced by Classical sculpture, and in particular by Polykleitos, Michelangelo had no taste for the mathematical approach to human form. His David is reflective of his belief that organic form already exists within a block of stone and it is the sculptor’s art to bring it out. The proportions of the David, therefore, are not mathematically accurate, though the visual effect is certainly natural to the eye.


This article is adapted from Ms. Aptaker’s lectures in Art History at the New York Institute of Technology

Let’s face it, step into a museum gallery of ancient Greek statuary and painted vases and you could get the impression that for about five hundred years from around 600 BCE (this article will use the newer designation of BCE, Before the Common Era) the male population of Greece lived life undressed. 1 There are athletes in the nude soldiers in the nude handsome young men who were famous for merely being handsome in the nude. By contrast, the Pharaohs, nobles and aristocratic men of ancient Egypt wouldn’t be caught dead in representations of themselves without a skirt or drape of some kind that indicated their rank or stature in society. Ditto for the men of Mesopotamia. Later Romans, though they mimicked the nude statuary of Greece, just as often commissioned statues of themselves in warriors’ armor or aristocratic drapery to call attention to their military heroism or political importance.

So why was the attitude of the ancient Greeks so different from other ancient cultures regarding nudity? Blame it on math.

If that answer seems facile, consider this: the great fifth century BCE sculptor Polykleitos wrote a treatise called The Canon, or The Canon of Proportion, which dictated specific mathematical proportions and relationships for all parts of the human body. Polykleitos based his formulae on work attributed to the sixth century BCE mathematician Pythagoras, whose noted theorem is still in use today.

But Polykleitos’ Canon, brilliant as it was and is, simply codified a way of thinking, a way of expressing beauty, which had been evolving in Greece for centuries. We can actually see the beginning of that way of thinking, and we can marvel that it appeared at a time when chaos and violence left Greek civilization hanging by a thread.

The fall of the Mycenaean civilization on mainland Greece, beginning around 1200 BCE, ushered in The Greek Dark Age. Invaders from the north and from Ionia in the east overran the once splendid Bronze Age heroic civilization and replaced it with the violence of constant warfare and the displacement of whole populations of sacked towns and villages. This miserable situation lasted over two hundred years, but around 1000 BCE things slowly started to settle down. Daily life was still bleak and dangerous, violence continued, but here and there a revitalizing culture started to take root, mainly through items of daily necessity after all, even if your community no longer needs palaces, your little hut still need cups and jars and bowls. It is in early Greek pottery that we see the beginnings of a way of thinking that eventually became the ancient world’s most sophisticated expression of the beauty of the human figure, particularly the male nude.


Fig. 1 - Proto-geometric amphora, ca. 950 BCE,
terra cotta, 13 ¾” high. British Museum, London

This amphora (Fig.1) dates from about 950 BCE. The style, called Proto-geometric, is simple and strictly utilitarian: lines and shapes moving around the surface of the pot. The Proto-geometric period, roughly the tenth century BCE, sets the foundation for everything to come in Greek art. 2 In this pot and others of the period, we see the beginnings of the Greek fascination with rational mathematics, especially geometry. It all started with everyday utensils decorated with simple lines.

Though other ancient cultures also decorated their pottery with similar lines and shapes, what’s new here, and what’s uniquely Greek, is a consciously harmonious relationship between the shape of the vase and the surface decoration. Each facet of the decoration occupies a specific part of the structure and is meant to delineate the volumes, which are themselves in harmonious proportion to one another:

-the solid black of the tall neck with an encircling checkered pattern positioned like a necklace

-the solid bands on the shoulder

-the undulating wave around the belly and the swelling shape of the belly contained by another solid band below

-the empty “reserved” space above the foot giving everything above a visual lightness, a weightlessness

-the whole thing resting comfortably and securely on the solid band of the foot.

Note that I’ve used the names of human body parts for the parts of the vase: neck, shoulder, belly, foot. The Greeks believed that the organic structure of pottery is analogous to the organic, balanced structure of human form and that both could be explained by the principles of geometry.

Though mathematics and geometry are rational, for the Greeks, even as early as the Proto-geometric period, mathematics and geometry are not cold. The Greeks gave a philosophical warmth to mathematics, marrying the principles of rationality to the spirit of philosophy, which they eventually developed into the Classical idea of Humanism.

During the centuries prior to the Athenian development of democracy in 508 BCE, the city-states of Greece, like all other ancient civilizations, were ruled by Kings. The Egyptian Pharaoh, for example, was considered a living god on earth. But the Greek relationship with even their most powerful or despotic leaders was quite different from that of other kingdoms. The Greek kings regarded themselves human beings, mere mortals, not gods on earth. If the Greek kings had a divine connection to any of their gods it was because their human mother or father mated with a god or goddess and the resulting child was at best a half-god, called a demi-god, and only because of the human process of sexual relations and childbearing (the gods, among themselves, could reproduce parthenogenically). This great difference in outlook, that human beings, not the gods, were, as the Greek philosopher Protagoras wrote, “the measure of all things” on earth, is what enabled the Greeks to unite the rationality of mathematics to the warmth of humanist philosophy and, by extension, to an appreciation of the human body as an ideal evocation of that unity.


Fig. 2A


Fig. 2B

Figs. 2A and 2B-Dipylon Krater, from the Dipylon cemetery,
Athens, ca. 740 BCE.
3’ 4 1/2” height Metropolitan Museum of Art, New York

By the eighth century BCE, a full blown Geometric style was ascendant, as we see in this monumental krater from the Dipylon cemetery in Athens (Fig 2A). This enormous pot, standing nearly three and a half feet tall, was not for household use but served as a grave marker, much as a headstone is used today. The painted scenes represent the funeral service and mourning (upper register of figures) and funeral procession or military parade (lower register of figures) honoring the deceased gentleman we see lying atop the funeral bier (Fig. 2B, center). The rational properties of geometry informed the physical proportions of the vase (which are in perfect balance here) and to rendering the figures, which are expressed in a purely geometric language: ovals for heads triangles for the upper body lozenge shapes for hips and legs rectangles or lines for arms. The upraised arms of the female mourners (who are tearing out their hair in grief) on either side of the funeral bier bend at pure right angles to form rectangles and near-squares.

Though this use of everyday shapes to render human (and animal) form may seem simplistic, a century or so of drawing in this manner gave Greek artists a deep understanding of the properties of shape and the proportional relationships between parts of the human body. This confidence, together with the Greek belief that human beings and human experience are the central issues of daily existence, that the “here and now” is more immediately relevant than eternity, which was the province of the immortal gods in any event and about which human beings had little or no say, gave Greek artists the skills and state of mind to make the next leap in their remarkable development of the nude figure.


Fig. 3-Kouros, ca. 590 BCE Marble, 6’ ½” height
Metropolitan Museum of Art, NY

While it’s fair to say that the development of Greek art and its emphasis on the human and not the godly was unique in the ancient world, it must also be acknowledged that Greek artists did not develop in isolation. Though this kouros (Fig. 3), meaning a statue of a nude male youth, exhibits those values we can identify as uniquely Greek, it also exhibits the influence of Egypt, the dominant power and culture through much of ancient history. Like Egyptian statuary, 3 this kouros stands in a rigid frontal pose, his hands clenched at his sides and with one leg forward.

But the similarity ends there. Unlike Egyptian figures, which were meant to express an unchanging eternal, this kouros makes visible the Greek philosophy of male beauty, harmonious of face and body, and above all active and athletic.

To begin with, the young man is nude, whereas Egyptian figures were clothed. Moreover, Egyptian standing figures were anchored to a supporting block of stone, 4 but this kouros is free standing. This achievement is not only technical, it represents a philosophical expression as well.

Dealing first with the technical aspect, the balance necessary to achieve a free standing figure of stone was a result of the Greeks’ deep understanding of geometry and its properties. From the lessons inherent in the tectonics of pottery to the painted geometric shapes which earlier expressed human form, by the sixth century BCE, the Archaic period, Greek sculptors were prepared to produce life-sized figures that stood as confidently on their feet as did living human beings.

Aesthetically, the kouros in Figure 3 is purely and utterly Greek. It is created through geometric forms: we still see the oval for the head a triangular torso and lozenges to form the legs. And philosophically it is Greek, expressing an idea of youthful maleness not as godly or heroic but as beautiful. This beauty is an expression of the ideal of harmony and balance, two attributes of rational mathematics which the Greeks believed contributed to the beauty of all things, including thought itself.

By the beginning of the Classical period, when Greek cultural confidence was at its height and no longer under the restraining influence of Egypt, Greek philosophy and art achieved a sophistication—and in art, the technical ability—which enabled philosophers and artists to address that most human of experiences, sensuality.

Fig. 4-Kritios Boy ca. 480 BCE, Athens,
Marble, 2’ 10” height. Acropolis Museum, Athens

This early Classical figure called the Kritios Boy, dating to about 480 BCE, shares the one leg forward/frontal stance of his kouros predecessors, but here the geometry of the assembled shapes is more relaxed, more natural. Kritios Boy is believed to be the first sculpted human figure to employ contrapposto, meaning “shifting of weight.” The sculptor understood that human beings do not stand in rigid poses (except when at “attention” like soldiers) real human beings shift their weight and their body, positioning themselves along the vertical axis of the spine.

The contrapposto of the Kritios Boy is created by:

-the slight dip of his right hip as he balances his weight on his left (rear) leg

-the bend of his forward leg at the knee, at ease

-his head turned slightly to his right, unlike the stiff-necked Archaic kouroi.

This more natural posture, derived from the rational application of mathematics to achieve a balance of proportion, gives Kritios Boy not just a more natural appearance but a sensual one. What is being celebrated here isn’t heroism or power what’s being celebrated is beauty of form and flesh beauty as a philosophical ideal of life expressed through harmonious proportions, ease of posture, calmness of expression.

Only about thirty years after the unknown sculptor created the Kritios Boy, Polykleitos himself brought the spirit of Greek art to full magnificence with a series of sculptures that are masterpieces of his Canon of Proportion. In his Doryphoros (Spear Carrier) (Fig. 5), Polykleitos expressed harmony, balance and beauty through strict adherence to his mathematical formulae for the proportions and geometric masses of the nude figure. 5 With mathematics as his absolute foundation, he was then able to create a contrapposto that is assertive, giving the figure the graceful S-curve that would become iconic in Greek sculpture. Polykleitos further enhanced the grace of the contrapposto with the harmony of “cross balance”: the bent arm is diagonally opposite the straight leg, while the straight arm is diagonal to the bent leg.

Polykleitos’ Canon would remain the standard for Greek sculpture through its Classical and Hellenistic periods and into the art of Rome. The grace and sensuality celebrated by the Classical nude influenced later masters such as Michelangelo, whose monumental David (1501-1504) is a sensual descendent 6 of Polykleitos’ contrapposto and cross balance. And though figurative art is less dominant today, the human need for sensual expression never dies. Who would have thought it could be expressed in math?

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1. Female figures in Greek art were more often clothed.

2. Technical advances in pottery manufacture developed during the Proto- geometric period are further described in Richter, Gisela M.A., A Handbook of Greek Art A Survey of the Visual Arts of Ancient Greece, Seventh Edition, Phaidon Press Ltd., London, 1974 Boardman, John, Early Greek Vase Painting, Thames and Hudson, London, 1998 and others.

3. The period of Egyptian art and history referred to encompasses the Old Kingdom, ca. 2574-2134 BCE through the New Kingdom, ca. 1550-1070 BCE, which, with the exception of the Amarna period, ca. 1353-1335 BCE, essentially set the form which was maintained throughout most of Egyptian art until the Ptolemaic period, ca. 305 BCE-6 BCE. The Ptolemaic rulers, being Greek (after the conquest of Egypt by Alexander the Great), brought Greek influence into late Egyptian art. The defeat of Egypt by the Romans in 6 BCE, further Classicized Egyptian art.

4. Egyptian figures sculpted of wood or smaller than life-size figures in stone were often free-standing. The distribution and balance of weight of life-size and monumental stone figures in Egypt, however, usually necessitated an anchoring block.

5. This figure is a later copy, in marble, made in Rome for the Palestra athletic stadium in Pompeii. The original Greek statue was created cast in bronze. This situation is true of a considerable number of Greek statues, many of them originally bronze, since lost to time. Nevertheless, as far as we know, the ancient Roman sculptors were entirely faithful in their reproductions of the original Greek. Without these Roman copies, we would not know as much about the remarkable development of Greek sculpture. We are especially certain of the Romans’ accuracy of Polykleitos’ works because Roman sculptors strictly followed Polykleitos’ instructions, as written in his Canon.


6. Though the David is clearly influenced by Classical sculpture, and in particular by Polykleitos, Michelangelo had no taste for the mathematical approach to human form. His David is reflective of his belief that organic form already exists within a block of stone and it is the sculptor’s art to bring it out. The proportions of the David, therefore, are not mathematically accurate, though the visual effect is certainly natural to the eye.


Greek ceramics – Chapter 1

This short article does not aim to be an extensive presentation but rather a brief description over the history of greek ceramic in order to answer to the most common questions. In this first chapter we will begin with a global classification per style, then a typological [1] Study of the shapes approach of this ceramic before finishing with a few specific uses.

First we must acknowledge the five main styles of ceramic, which evolve with time as well as their geographical locations. We typically spread these five styles from 1050 B.C [2] Mycenian period, heroic age of the Illiad and the Odisseyr to 146 B.C [3] Fall of Corinth against Rome, Last independant greek kingdom

Proto-geometric (1050-900 B.C)

This style is usually imputed to the mycenaean civilization, which, since the adorn the vases of black varnish patterns and turns the pottery bronze age, on a potter’s wheel rather than manually. These are typically decorated with simplistic and geometric patterns, such as strip and circles.

Geometric style (900-700 B.C)

In continuity with the proto-geometric style, ceramics bedeck themselves with meander, “greek” triangles and other geometric patterns. In this style stand the ancient geometric (900-850 B.C) with only geometric patterns, then the middle geometric (850-770 B.C) with the emergence of figurative adornment (mostly animals) and space saturation, and finally, the moder

geometric (770-700 B.C) with human figure. A great number of those vases were found in one the athenian burial ground, the Dipylon, which will gave its factitious name to the “Dipylon Master”, a vase painter active around 760-750 B.C. Other schools appear all over Greece, in Corinth, Boeotia, Argos, Crete (also in a sterner geometric style) and Cyclades.

Orientalizing Style (725-625 B.C)

As its name states it, this ceramic is influenced by the oriental design, which drains its inspiration from nature, the animal world and mythology. We see the appearances of sphinx, griffins, lions, et caetera, with way more realism than under the geometric style. It firstly emerge in Corinth, who then exported the techniques to Athens, which modifies it according to its own influence: developing the first marks of polychromy, white, black and red, intertwine to give live to the depictions.

Though black figures exist since the 7th century in Corinth and other regions of Greece, it is Athens which carries it to its pinnacle during the archaic period. It presents black figures designs upon a clay background, therefore on red background in Athens case. Figured vases become more common and are no more confined to a ceremonial use, but also everyday life.

Red figures are popularized by attic ceramic from Athens, with a production of industrial scale and monopolizing the market as the only school of

técnica. According to the legend, the first to use this style is Andokides. It is a reversal of the black figure, in its initial stage there even are occurences of bilingual vases, combining black and red figures. This style allows an evolution and a refinement of the designs, the potter and painter Euphronios specialized in the representation of the body muscles. Due to the destruction of Athenian workshop during the second greco-persian war, the production of black figures are abandoned to the profit of the red, which take over the stylistic landscape. Designs are further sophisticated, representing mythological scenes, battles and everyday life representations. Space saturation will slowly come back, floral patterns veiling voids, as well as polychromy with touches of white. During the hellenistic period the technique simplifies itself, with simple settings and even paintings after the baking process.

Far from Athens, in Magna Grecia the apulian region stands outwith its own ceramic technique, of equivalent quality to the athenian’s one, and will last during the hellenistic period thanks to the painter Darius who represents contemporary of Alexender the Great. With its own italic style the apulian ceramic is exported in Greece as well as the whole mediterranean basin. It usually identified by its saturation of icon of heroic theme, numerous details, and for the armament enthusiast the representation of apulo-corinthian helmet. A last subtype, the red figure on white background, typically in the mortuary field, especially upon lekythos which contain perfumes. However if red figures predominates, black figures are used on occasion on honorific vases, such as panathenaic amphora

Bernard Holtzmann et Alain Pasquier, Histoire de l’art antique : l’art grec, écoles du Louvre, Paris, 1998.


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Ancient Greek Art #1: geometric to archaic
• GEOMETRIC= 900-700 BC (end of the dark age, the human figure reappears)
• ORIENTALIZING= 700-600 BC (renewed contact with the outside world)
• ARCHAIC= 600-480 BC (old fashioned period, golden age of painting on pottery (black
figure and red figure pottery)
• Hellenic Period= 900-323 BC (part 1)
o Major trends: interest in depicting the human figure convincingly, idealism
(striving to depict the UNIVERSAL and the PERFECT)
o Familiar forms/conventions= gloss slip, twisted perspective, composite creatures,
painted sculpture, sculptures in poses borrowed from Egypt
• Etruscans were very fond of Greek pottery
• WARRIOR VASE (krater) (from Mycenae, 1200 BC) ! used as a giant punchbowl for
mixing strong wine with water
o Not painted with true paint, painted with GLOSS SLIP (liquid clay, mixed water
with clay and let coarse grains settle, remove them, repeat until the slip is of a nice
smooth consistency)
o Use of BANDING (paint around while pot is still on the wheel)
• STIRRUP JAR W/ OCTOPUS (1200-1100 BC, Mycenae) ! banding, painted with gloss
escorregar
• NOW AFTER THE FALL OF MYCENAE
• PROTO-GEOMETRIC AMPHORA (10th Century BC) ! probable source of style=
surviving Mycenaean folk traditions, very crisp concentric circles
• GEOMETRIC KRATER (from the Dipylon Cemetery, Athens, 740 BC) ! about 4 feet tall,
in the shape of a Krater but never was used as one, instead was used as a grave marker
for an aristocratic man, symbolic of dinner parties
o PROTHESIS: body laying on side, whole scene
o BEIRCLOTH: cloth over a dead body
o Procession at the bottom of the pot, horses, figure 8 shields (borrowed from the
Minoans)(connection between the age or heroes and their own time)
o In ancient Greece people were VERY aware of their lineage
o Figure 8 shields and war chariots were obsolete in the geometric period (used
round shields)
• ORIENTALIZING PERIOD: 700-600 BC
• CORINTHIAN BLACK-FIGURE AMPHORA W/ ANIMAL FRIEZES (624-600 BC)! lions
in heraldic symmetry, SIREN (human head on a bird’s body, tempts sailors), banding,
different colored slip, scratched away slip for detail
• MANTIKLOS APOLLO (from Thebes, 700-680 BC) ! inscription on thighs, bronze young
man, example of a HEROIC NUDE (to distinguish the Greeks from the barbarians)(effort
with perfection, trying to show a perfect person), swelling of the pectoral muscles,
triangular face, very small forehead, very stylized powerful thighs, NICE BUTT
• LADY OF AUXERRE (650-625 BC) ! triangular face, Egyptian style hair, cape and belt
(typical of Crete), small forehead, hand to chest in what is thought to be adoration, was
originally painted

ARTIST PAINTING A STATUE OF HERKALES (360-350 BC) ! shows a painter using
ENCAUSTIC PAINT (powdered pigments held together with very hot wax)
• KOUROS: young man, statues were idealized
• ARCHAIC SMILE: can refer to vitality (life) or is a convention of when artists started to
explore the structure of the face, shows that lips are wrapped around teeth
• ARCHAIC PERIOD: 600-480 BC
• NEW YORK KOUROS (600 BC)! Oldest surviving kouros that is fully preserved, stands
at about 6 feet tall, very neat, Egyptian style hair, Egyptian style pose (very stiff), FIRST
FREE STANDING STONE FIGURES
• KRIUSIS KOUROS (530 BC)! much more accurate than the NY Kouros when it comes
to human anatomy, used as a grave marker (other Kouros used as a grave offering), 6’4”
tall, very large, archaic smile, traces of paint
• PEPLOS KORE (530 BC)! from the acropolis in Athens (PEPLOS= very simple dress),
lovely smile and hair, originally painted
• PHRASIKLEIA FROM MERENDA (540 BC) ! Attica, funerary movement, clothed
• THE GREEKS NOT ONLY TOLD “WHAT HAPPENED” BUT, “HOW IT HAPPENED”
• DEATH OF SARPADON (515 BC)!calyx krater by Euphronos (painter) and Euxitheos
(potter), Attic, sarpedon= son of Minos, Euphronos tried to use FORESHORTENING
• KITHARA PLAYER (490 BC) !amphora attributed to the Berlin painter, attic,
magnificent painting, young man completely lost in his music

Ancient Greek Art #2: classical to Hellenistic
• Hellenic (900-323 BC) ! confined to Greece, idealism, CLASSICAL: (480-323 BC)
moderation, restraint, harmony between parts, universality
• Hellenistic (323-31 BC) ! Greek culture spreads, realism, interest in the dramatic, the
artist’s inventiveness, individual differences

• CLASSICAL PERIOD: 480-323 BC
• ARTEMIS AND APOLLO SLAYING THE CHILDREN OF NIOBE (450 BC) ! attic red
figure calyx krater, niobid painter
o Myth of Niobe: tale to warn against hubris (excessive arrogance), really proud of
all her pretty children, gods get mad, kill her kids
o Imitated the conventions of wall painting (figures floating on a black background),
painter didn’t pay attention to the shape of the pot
• KYLIX= wide, shallow drinking cup, eyes painted on bottom
• DANCING MAENAD (490 BC) ! white ground Kylix (pot made of red clay, interior
painted with black and white slip, used mainly for funerary art because white clay will
chip), MAENAD= female follower of Dionysis, can tell because of her THYRSOS and
because of big cat
o Very limited color scheme
• PHILOXENOS OF ERETRIA (310 BC) ! battle of Issus, Roman copy, battle of Alexander
the great, horses shown with proper foreshortening, enemy watching himself die in his
polished shield
o Alexander the great is calm, looking straight ahead, no beard
• EARLY CLASSICAL= 480-450 BC

Delphi, sacred to Apollo, “bellybutton of the world”.
CHARIOTEER OF DELPHI (470 BC) ! man presenting his chariot to the masses after
winning the race, demonstrates restraint and moderation, IDEAL MASK= reason
governing the emotions, no expression, thick jaw and almost straight line from forehead
to the tip of nose (standard of beauty)
o Anatomically stunning feet, probably cast from a real person
o APOLLO’S SANCTUARY AT DELPHI: lots of mini temples for offerings, theater,
many bronze statues, earthquakes eventually destroyed the temple
o PITHEA= mouthpiece of Apollo, would sit above volcanic fumes and mumble
o PITHEON GAMES= chariot racing, who was it that the god Apollo was smiling on,
charioteer of Delphi= thank offering to Apollo for victory
BATTLE OF THE LAPITHS AND THE CENTAURS (460 BC)! from the west pediment of
Zeus at Olympia
o Considered to be among the greatest groups of Greek sculptures in Marble (may
have been made by a group of sculptors led by Phidias as a young man)
o Tells the story of drunk centaurs kidnapping young bride and her bridesmaids,
Greeks fight them, CIVILIZED vs
.
THEY COULD SHOW
CONVINCINGLY THE HUMAN BODY IN MOTION
WARRIOR (460-450 BC) ! Riace Warrior A, found in the sea, classical, standing in the
contrapposto stance, mature man, copper lips, silver teeth, inlaid eyes, heroic/ideal
nudity
HELLENISTIC ART: 323-31 BC
EPIGONOS (?), Gallic Chieftan, killing himself and his wife (roman marble copy after a
bronze original from Pergamon), Turkey, 230-220 BC)
o Celts believed in reincarnation, death for them was just an inconvenience, made
them very scary fighters
o Sculptures were thank offerings for victory against the Gauls, people in the
sculpture didn’t look Greek at all (REALISM), shown as noble enemies

TEMPLES: 4 main temples, ¾ are doric, temple to hera 1, temple to hera 2 and the
Parthenon)


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