Rakuware Pottery Developed - History

Rakuware Pottery Developed - History

Rakuware, um renomado estilo de cerâmica japonesa, recebeu esse nome quando um prêmio com esse nome foi dado à família que ajudou a desenvolver o processo que o tornou possível.

Raku Ware And Staffordshire Pottery

Raku Ware era originalmente do Japão na cidade de Kyoto e foi nomeado após a família Raku durante o século XVI. Nessa época, o Imperador Hideyoshi conquistou a Coréia e os oleiros nativos imigraram para o Japão trazendo com eles técnicas e conhecimentos de cerâmica. Os potes foram produzidos para a cerimônia do chá budista Zan e a decoração e cozimento dos potes faziam parte da cerimônia do chá. Bernard Leach introduziu Raku no oeste depois de viver no Japão e na China montando cerâmica em St. Ives, Inglaterra em 1920. Ainda é popular hoje, e feito em quase todo o mundo.

Raku Ware ainda hoje é produzido pela 14ª geração, da mesma família japonesa. Staffordshire era uma parte grande e importante da Grã-Bretanha para a produção de cerâmica. Os primeiros exemplos conhecidos de talheres Staffordshire datam do início do século XVII. Embora a cerâmica vitrificada com chumbo parecesse ter se estabelecido antes dessa época, o mercado geralmente ia além de Staffordshire. Os potes de manteiga feitos em Staffordshire eram bem conhecidos por sua qualidade pelos produtores de leite na Inglaterra e áreas circunvizinhas. Slipwares são nomeados por sua decoração com argilas líquidas, geralmente derramadas ou arrastadas na panela.

Embora esta seja uma técnica altamente desenvolvida em Staffordshire, ela foi usada em outras áreas vizinhas, como Londres e Wrotham. Os talheres Staffordshire geralmente têm três categorias de talheres, que são pratos, pratos e tigelas, jarras e potes com tampa são classificados como produtos vazios e os produtos diversos incluem caixas de dinheiro, berços e velas. Assim como o chá foi importante no desenvolvimento de Raku Ware no Japão, os irmãos Elers, que estudaram esmaltes de sal na Europa e se mudaram para Staffordshire na década de 1690, produziram pequenos bules de chá, vasilhas de chá, xícaras e jarras.

Eles usavam argila vermelha finamente preparada que era jogada na roda e depois torneada quando o couro endurecia. (O sal comum é jogado no forno durante a queima de 1200 ° C para produzir um esmalte de sal) Em Raku, qualquer argila que seja compatível com a técnica de queima deve ser capaz de resistir ao choque térmico sem deformar, distorcer ou rachar. A argila precisa ter partículas para permitir que a água escape rapidamente, de modo que a argila chinesa calcinada ou argila temperada (grogue, sílex ou concha) adicionada a ela tem sucesso. Esta argila ocorreu naturalmente no Japão.

Muitos oleiros contemporâneos têm receitas de argila favoritas para seus corpos de argila ao fazerem Raku Ware. As argilas de talheres Staffordshire geralmente têm problemas para resistir a altas temperaturas sem distorcer e deformar, enquanto o grés pode. Descobriu-se que, quando o sílex calcinado era adicionado à argila, isso permitiria que o pote resistisse a altas temperaturas e até mesmo embranqueceria a aparência geral do pote. Esse efeito de clareamento nos potes foi adaptado como alternativa à porcelana. Não havia um caulino adequado para queimar branco como o usado no Oriente, encontrado na Inglaterra, exceto na Cornualha.

As porcelanas na área de Staffordshire são conhecidas como "pasta mole" por causa de sua baixa temperatura de queima e o corpo de argila era rico em quartzo e baixo em argila com frita de vidro e cal ou gesso adicionado para se livrar da cor indesejada de óxido de ferro. Wedgewood desenvolveu seus produtos cremosos adicionando pedra e argila chinesa ao corpo que estava usando, resultando em um corpo forte azul esbranquiçado conhecido como porcelana pérola. Ele também desenvolveu argilas coloridas para imitar pedras como jaspe, basalto e ônix. No início do século 18, a técnica de disparo para Staffordshire Ware mudou para um disparo de dois estágios.

O primeiro foi na panela sem esmalte para produzir biscoitos, que foram mergulhados em um esmalte de chumbo e queimados novamente em uma temperatura mais baixa. No final do século 18, os fornos passaram da queima de madeira e carvão para a queima de carvão. Esses fornos * eram maiores, com cinco ou mais bocas e uma distinta chaminé em forma de garrafa. Essas técnicas de queima aprimoradas permitiram estilos mais decorativos e melhorou a aparência, com a popularização da pintura à mão e impressão de bordados, pintura de figuras e paisagens. Raku Ware, quando disparado, costuma ser espetacular e tem resultados incertos.

A panela é coberta com um esmalte, colocada em um forno vermelho quente e queimada até que o esmalte amadureça, a panela é então colocada fora do forno e é deixada esfriar rapidamente. Com esse período de resfriamento dramático, o esmalte estala, e isso obviamente dá ao pote uma aparência quebrada e amassada. E isso às vezes pode levar menos de uma hora para ser concluído. O disparo de Raku Ware é dramático e envolve trauma para os potes. Originalmente, os ceramistas japoneses usavam o chumbo bruto como ingrediente principal. No entanto, isso pode levar ao envenenamento por chumbo.

Hoje em dia, um chumbo fritado é substituído, que é mais estável. O esmalte deve permanecer em uma panela durante o processo de queima e derreter de 800oc - 1100oc, embora Black Raku seja queimado em 1200oc. A redução pós-queima pode fazer parte da cerâmica Raku contemporânea. Fumegante é onde os sais de metal são borrifados no esmalte derretido de uma panela Raku em brasa direto do forno. Os produtos químicos introduzidos diretamente no forno (não elétricos) durante a queima são chamados de vaporização e também são possíveis com a cerâmica Raku. No entanto, um acabamento de fumaça usando serragem ou outro produto inflamável é popular.

O chumbo também foi usado em Staffordshire Ware como um esmalte, mas o esmalte salgado foi introduzido da Europa e um esmalte azul riscado também foi produzido usando uma tinta azul cobalto. No entanto, a superfície ligeiramente rugosa do esmalte salgado era um talheres de prata refogada, pelo que esta loiça foi substituída por uma loiça de cor creme no final do século XVIII. Wedgewood fez a louça de barro de cor creme universalmente aceita. Raku Ware recuperou popularidade nos últimos trinta anos porque dá grande expressão e a empolgação de tirar potes em brasa do forno e fumar em serragem e resultados imprevisíveis agradam a muitos oleiros.

Foi introduzido por Bernard Leach na Inglaterra na década de 1920 e revivido por Paul Soldner nos Estados Unidos na década de 1960. Algumas das cerâmicas originais estabelecidas em Staffordshire nos anos 1700 ainda estão produzindo cerâmica hoje, com muitos de seus itens classificados por colecionadores em todo o mundo. Onde Staffordshire é famoso por sua produção em massa, Raku Ware é mais individual, especialmente porque suas técnicas geralmente produzem resultados inesperados.

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Conteúdo

Período Jōmon Editar

Durante o início do período Jōmon, no 6º milênio aC, surgiram os artigos típicos feitos em espiral, decorados com padrões de corda impressos à mão. A cerâmica Jōmon desenvolveu um estilo extravagante em seu apogeu e foi simplificado no final do período Jōmon. A cerâmica foi formada por cordas de argila enroladas e queimada em fogo aberto.

Período Yayoi Editar

Por volta dos séculos 4 e 3 aC, período Yayoi, a cerâmica Yayoi apareceu, outro estilo de cerâmica caracterizado por um padrão simples ou nenhum padrão. Jōmon, Yayoi e mais tarde Haji compartilhavam o processo de queima, mas tinham estilos diferentes de design.

Período Kofun Editar

Nos séculos 3 a 4 dC, o forno anagama, um forno de túnel coberto em uma encosta, e a roda de oleiro apareceram, trazidos da península coreana para a ilha de Kyushu. [6]

O forno anagama podia produzir grés, cerâmica Sue, queimado em altas temperaturas de mais de 1200–1300˚C, às vezes embelezado com acidentes produzidos ao introduzir material vegetal no forno durante a fase de queima com oxigênio reduzido. A sua fabricação começou no século V e continuou nas áreas periféricas até o século XIV. Embora várias variações regionais tenham sido identificadas, Sue era notavelmente homogênea em todo o Japão. A função da cerâmica Sue, no entanto, mudou ao longo do tempo: durante o período Kofun (300-710 dC), era principalmente mercadoria funerária durante o período Nara (710-94) e o período Heian (794-1185), tornou-se uma elite talheres e, finalmente, foi usado como uma loiça utilitária e para os vasos rituais para altares budistas.

A louça Haji contemporânea e os objetos funerários Haniwa eram louça de barro como Yayoi.

Período Heian Editar

Embora uma técnica de esmalte de chumbo de três cores tenha sido introduzida no Japão a partir da dinastia Tang da China no século 8, os fornos oficiais produziam apenas esmalte de chumbo verde simples para templos no período Heian, por volta de 800-1200.

A mercadoria Kamui apareceu nesta época, assim como a mercadoria Atsumi e a Tokoname.

Período Kamakura Editar

Até o século 17, o grés não vitrificado era popular para as necessidades diárias de serviço pesado de uma sociedade amplamente agrária. Jarros funerários, jarros de armazenamento e uma variedade de potes de cozinha tipificam a maior parte da produção. Alguns dos fornos aprimoraram sua tecnologia e são chamados de "Seis Fornos Antigos": Shigaraki (utensílios Shigaraki), Tamba, Bizen, Tokoname, Echizen e Seto.

Entre eles, o forno Seto na província de Owari (atual Prefeitura de Aichi) tinha uma técnica de esmalte. De acordo com a lenda, Katō Shirozaemon Kagemasa (também conhecido como Tōshirō) estudou técnicas de cerâmica na China e trouxe a cerâmica vitrificada de alta temperatura para Seto em 1223. O forno Seto principalmente imitou a cerâmica chinesa como um substituto para o produto chinês. Desenvolveu vários esmaltes: marrom cinza, preto ferro, branco feldspato e verde cobre. As mercadorias eram tão amplamente utilizadas que Seto-mono ("produto da Seto") tornou-se o termo genérico para cerâmica no Japão. O forno Seto também produzia grés não esmaltado. No final do século 16, muitos oleiros Seto fugindo das guerras civis mudaram-se para a Província de Mino na Prefeitura de Gifu, onde produziram cerâmica vidrada: Seto Amarelo (Ki-Seto), Shino, Black Seto (Seto-Guro), e Oribe ware.

Período Muromachi Editar

De acordo com as crônicas em 1406, o imperador Yongle (1360-1424) da dinastia Ming concedeu dez tigelas de porcelana Jian da dinastia Song para o Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), que governou durante o período Muromachi. Vários monges japoneses que viajaram para mosteiros na China também trouxeram peças de volta para casa. [7] À medida que se tornaram valorizados para cerimônias do chá, mais peças foram importadas da China, onde se tornaram produtos altamente valorizados. Cinco desses navios da dinastia Song do sul são tão valorizados que foram incluídos pelo governo na lista de Tesouros Nacionais do Japão (artesanato: outros). A mercadoria Jian foi posteriormente produzida e desenvolvida como tenmoku e tinha um preço alto durante as cerimônias do chá dessa época.

Período Azuchi-Momoyama Editar

De meados do século 11 ao século 16, o Japão importou muitos artigos verdes chineses de celadon, porcelana branca e azul e branco. O Japão também importou cerâmica chinesa, bem como cerâmica coreana e vietnamita. Essas cerâmicas chinesas (Tenmoku) eram consideradas itens sofisticados, usados ​​pelas classes altas na cerimônia do chá. Os japoneses também encomendaram cerâmicas personalizadas de fornos chineses.

Importações com preços altos também vieram de Luzon e foram chamadas Rusun-yaki ou "ware Luzon", bem como Annan de Annam, norte do Vietnã. [8]

Edição do período Sengoku

Com a ascensão do budismo no final do século 16, os principais mestres do chá introduziram uma mudança de estilo e preferiram as humildes tigelas de chá coreanas e os utensílios domésticos em vez da sofisticada porcelana chinesa. O influente mestre de chá Sen no Rikyū (1522–1591) voltou-se para os estilos nativos japoneses de cerâmica rústica simples, muitas vezes imperfeita, que ele admirava por sua "espontaneidade robusta", uma "mudança decisiva" de enorme importância para o desenvolvimento da cerâmica japonesa. [9] A família Raku (nomeada em homenagem à cerâmica, e não o contrário) fornecia tigelas de chá de cerâmica esmaltada de marrom. Mino, Bizen, Shigaraki (utensílios de Shigaraki), Iga (semelhante a Shigaraki) e outros fornos domésticos também forneciam utensílios de chá. O artista-ceramista Hon'ami Kōetsu fez várias tigelas de chá hoje consideradas obras-primas.

Durante a invasão da Coreia de Toyotomi Hideyoshi em 1592, as forças japonesas trouxeram ceramistas coreanos como escravos para o Japão, embora também haja evidências de imigração voluntária anterior. Segundo a tradição, um dos sequestrados, Yi Sam-pyeong, descobriu uma fonte de argila de porcelana perto de Arita e conseguiu produzir a primeira porcelana japonesa. Esses ceramistas também trouxeram tecnologia de forno aprimorada na noborigama ou forno ascendente, subindo uma encosta e permitindo atingir temperaturas de 1400 ° C. [10] Logo os fornos Satsuma, Hagi, Karatsu, Takatori, Agano e Arita foram iniciados.

Edição do período Edo

Na década de 1640, rebeliões na China e guerras entre a dinastia Ming e os Manchus danificaram muitos fornos, e em 1656-1684 o novo governo da dinastia Qing interrompeu o comércio fechando seus portos. Refugiados oleiros chineses puderam introduzir técnicas refinadas de porcelana e esmalte nos fornos Arita. A partir de 1658, a Companhia Holandesa das Índias Orientais procurou o Japão em busca de porcelana azul e branca para vender na Europa. [11] Naquela época, os fornos Arita, como o forno Kakiemon, ainda não podiam fornecer porcelana de qualidade suficiente para a Companhia Holandesa das Índias Orientais, mas rapidamente expandiram sua capacidade. De 1659 a 1740, os fornos Arita puderam exportar enormes quantidades de porcelana para a Europa e Ásia. Gradualmente, os fornos chineses se recuperaram e desenvolveram seus próprios estilos de peças esmaltadas altamente coloridas que os europeus achavam tão atraentes, incluindo famille rose, famille verte e o resto desse grupo. A partir de cerca de 1720, os fornos chineses e europeus também começaram a imitar o estilo esmaltado Imari na extremidade inferior do mercado, e por volta de 1740 o primeiro período de exportação de porcelana japonesa praticamente cessou. [12] Os fornos Arita também forneciam utensílios domésticos, como os chamados esmaltes Ko-Kutani. [13]

A porcelana também era exportada para a China, grande parte da qual era revendida por comerciantes chineses para outras "Companhias das Índias Orientais" europeias, que não tinham permissão para comercializar no próprio Japão. Foi sugerido que a escolha de tais itens foi ditada principalmente pelo gosto chinês, que preferiu Kakiemon a "Imari", sendo responsável por uma notável disparidade nas primeiras coleções europeias que podem ser reconstruídas entre as holandesas e as de outros países, como Inglaterra, França e Alemanha. [14] Como Imari era o porto de embarque, algumas porcelanas, tanto para exportação quanto para uso doméstico, eram chamadas Ko-Imari (velha Imari). O costume europeu geralmente é chamar as peças azuis e brancas de "Arita" e as azuis, vermelhas e douradas de "Imari", embora na verdade ambas fossem feitas nos mesmos fornos de Arita. Em 1759, o pigmento de esmalte vermelho escuro conhecido como bengara tornou-se disponível industrialmente, levando a um renascimento avermelhado do estilo Ko-Imari de 1720 laranja.

Em 1675, a família local Nabeshima que governava Arita estabeleceu um forno pessoal para fazer porcelana esmaltada de alta qualidade para as classes altas no Japão, que é chamado de porcelana Nabeshima. Ele usa principalmente decoração em estilos japoneses tradicionais, muitas vezes com base em têxteis, em vez dos estilos derivados da China da maioria das peças de Arita. [15] A louça Hirado era outro tipo de porcelana inicialmente reservada para apresentação como presentes políticos entre a elite, concentrando-se em pinturas muito finas em azul em um corpo branco incomumente fino, para o qual pintores de pergaminhos foram contratados. Esses dois tipos representavam a porcelana mais fina produzida após a paralisação do comércio de exportação na década de 1740. Ao contrário da mercadoria Nabeshima, Hirado passou a ser um exportador significativo no século XIX.

Durante o século 17, em Kyoto, então a capital imperial do Japão, os fornos produziam apenas cerâmica vitrificada com chumbo transparente que lembrava a cerâmica do sul da China. Entre eles, o oleiro Nonomura Ninsei inventou um esmalte opaco sobre vidrado e, com o patrocínio do templo, foi capaz de refinar muitos designs de estilo japonês. Seu discípulo Ogata Kenzan inventou um estilo idiossincrático de artes e ofícios e levou Kyōyaki (cerâmica de Kyoto) a novas alturas. Suas obras foram os modelos para Kyōyaki posteriores. Embora os corpos de porcelana tenham sido apresentados a Kyōyaki por Okuda Eisen, a cerâmica vitrificada ainda florescia. Aoki Mokubei, Ninami Dōhachi (ambos discípulos de Okuda Eisen) e Eiraku Hozen expandiram o repertório de Kyōyaki.

Do final do século 18 ao início do 19, a argila de porcelana branca foi descoberta em outras áreas do Japão e foi comercializada internamente, e os oleiros foram autorizados a circular com mais liberdade. Senhores e comerciantes locais estabeleceram muitos fornos novos (por exemplo, forno Kameyama e forno Tobe) para lucro econômico, e fornos antigos, como Seto, reiniciaram como fornos de porcelana. Esses muitos fornos são chamados de "Fornos Novos" e popularizaram a porcelana no estilo dos fornos Arita entre o povo comum.

Era Meiji Editar

Durante a abertura internacional da era Meiji, as artes e ofícios japoneses tiveram um novo público e um novo conjunto de influências. Patronos tradicionais, como a classe daimyō, se separaram e muitos dos artesãos perderam sua fonte de renda. O governo teve um interesse ativo no mercado de exportação de arte, promovendo as artes japonesas em uma sucessão de feiras mundiais, começando com a Feira Mundial de Viena de 1873. [16] [17] A Casa Imperial também teve um interesse ativo em artes e ofícios, nomeando Artistas da Casa Imperial e encomendando obras ("artigos de apresentação") como presentes para dignitários estrangeiros. [18] A maioria das obras promovidas internacionalmente foram nas artes decorativas, incluindo cerâmica.

Louça Satsuma era um nome originalmente dado à cerâmica da província de Satsuma, elaboradamente decorada com esmaltes e dourados. Essas mercadorias foram muito elogiadas no Ocidente. Visto no Ocidente como distintamente japonês, esse estilo na verdade deveu muito a pigmentos importados e influências ocidentais, e foi criado com a exportação em mente. [19] Oficinas em muitas cidades correram para produzir este estilo para satisfazer a demanda da Europa e América, muitas vezes produzindo de forma rápida e barata. Assim, o termo "mercadoria Satsuma" passou a ser associado não a um local de origem, mas a uma mercadoria de qualidade inferior criada exclusivamente para exportação. Apesar disso, houve artistas como Yabu Meizan e Makuzu Kōzan que mantiveram os mais altos padrões artísticos enquanto exportavam com sucesso. Esses artistas ganharam vários prêmios em exposições internacionais. [21] Meizan usou placas de cobre para criar designs detalhados e repetidamente transferi-los para a cerâmica, às vezes decorando um único objeto com mil motivos. [22]

A indústria de porcelana do Japão estava bem estabelecida no início da era Meiji, mas as mercadorias produzidas em massa não eram conhecidas por sua elegância. [23] Durante esta era, as inovações técnicas e artísticas transformaram a porcelana em uma das formas de arte decorativa japonesa de maior sucesso internacional. [23] Muito disso se deve a Makuzu Kōzan, conhecido por utensílios satsuma, que a partir da década de 1880 introduziu uma nova sofisticação técnica para a decoração da porcelana, ao mesmo tempo que se comprometeu a preservar os valores artísticos tradicionais. [24] Durante a década de 1890, ele desenvolveu um estilo de decoração que combinava várias cores sob o vidrado em cada item. [25] A sofisticação técnica de seus underglazes aumentou durante esta década à medida que ele continuou a experimentar. [26] Na década de 1900 a 1910, houve uma mudança substancial na forma e decoração de suas obras, refletindo as influências ocidentais. [24] Seu trabalho influenciou fortemente as percepções ocidentais do design japonês. [27]

Era Taishō Editar

A cerâmica japonesa influenciou fortemente o ceramista britânico Bernard Leach (1887–1979), que é considerado o "Pai da cerâmica britânica". [28] Ele viveu no Japão de 1909 a 1920 durante a era Taishō e se tornou o principal intérprete ocidental da cerâmica japonesa e por sua vez influenciou uma série de artistas no exterior. [29]

Era Shōwa Editar

Durante o início da era Shōwa, o movimento de arte popular Mingei (民 芸) desenvolvido no final dos anos 1920 e 1930. Seu pai fundador foi Yanagi Sōetsu (1889–1961). Ele resgatou vasos humildes usados ​​por plebeus no período Edo e Meiji que estavam desaparecendo na rápida urbanização do Japão. Shōji Hamada (1894–1978) foi um oleiro que foi uma figura importante da Mingei movimento, estabelecendo a cidade de Mashiko como um centro renomado de mercadorias Mashiko. Outro ceramista influente neste movimento foi Kawai Kanjirō (1890–1966) e Tatsuzō Shimaoka (1919–2007). Esses artistas estudaram as técnicas tradicionais de envidraçamento para preservar as mercadorias nativas que corriam o risco de desaparecer.

Um dos momentos mais críticos foi durante a Guerra do Pacífico, quando todos os recursos foram direcionados aos esforços de guerra, e a produção e o desenvolvimento foram severamente prejudicados e os mercados sofreram.

Era Heisei para apresentar Editar

Várias instituições ficaram sob a égide da Divisão de Proteção de Propriedades Culturais.

Os fornos de Tamba, com vista para Kobe, continuaram a produzir os artigos diários usados ​​no período Tokugawa, acrescentando formas modernas. A maioria das mercadorias da aldeia era feita anonimamente por ceramistas locais para fins utilitários. Os estilos locais, nativos ou importados, tendiam a ser continuados sem alteração até o presente. Em Kyūshū, os fornos montados por ceramistas coreanos no século 16, como em Koishiwara, Fukuoka e sua ramificação em Onta ware, perpetuaram os produtos camponeses coreanos do século 16. Em Okinawa, a produção de artigos de aldeia continuou sob vários mestres importantes, com Kinjo Jiro homenageado como um Ningen Kokuho (人間 国宝, que significa literalmente 'tesouros culturais vivos', oficialmente um preservador de importantes propriedades culturais intangíveis).

Os ceramistas modernos operam em Shiga, Iga, Karatsu, Hagi e Bizen. Yamamoto Masao (Toushuu) de Bizen e Miwa Kyusetsu de Hagi foram designados Ningen Kokuho. Apenas meia dúzia de oleiros haviam sido homenageados em 1989, seja como representantes de peças de forno famosas ou como criadores de técnicas superlativas em vitrificação ou decoração, dois grupos foram designados para preservar as mercadorias de fornos antigos distintos.

Na antiga capital de Kyoto, a família Raku continuou a produzir as tigelas de chá ásperas que tanto encantaram Hideyoshi. Em Mino, os ceramistas continuaram a reconstruir as fórmulas clássicas das peças de chá do tipo Seto do período Momoyama de Mino, como a porcelana Oribe esmalte verde-cobre e o valioso esmalte leitoso da porcelana Shino. Ceramistas de artistas experimentaram nas universidades de artes de Kyoto e Tóquio para recriar a porcelana tradicional e suas decorações sob a orientação de professores de cerâmica como Fujimoto Yoshimichi, um Ningen Kokuho. Antigos fornos de porcelana ao redor de Arita em Kyūshū ainda eram mantidos pela linhagem de Sakaida Kakiemon XIV e Imaizumi Imaemon XIII, fabricantes de porcelana hereditários do clã Nabeshima, ambos chefes de grupos designados mukei bunkazai (無形 文化 財 ver porcelana Kakiemon e Imari).

A artista britânica Lucie Rie (1902–1995) foi influenciada pela cerâmica japonesa e por Bernard Leach, e também foi apreciada no Japão com uma série de exposições. O artista britânico Edmund de Waal (nascido em 1964) estudou Leach e passou vários anos no Japão estudando Mingei estilo. [29] O irmão Thomas Bezanson, do Canadá, foi influenciado por ele. [30]

Em contraste, no final da década de 1980, muitos mestres oleiros não trabalhavam mais em fornos principais ou antigos, mas estavam fazendo peças clássicas em várias partes do Japão. Em Tóquio, um exemplo notável é Tsuji Seimei, que trouxe seu barro de Shiga, mas colocou em vasos na área de Tóquio. Vários artistas estavam engajados na reconstrução de estilos chineses de decoração ou esmaltes, especialmente o celadon azul-esverdeado e o qingbai verde-aquoso. Um dos esmaltes chineses mais adorados no Japão é o esmalte tenmoku marrom-chocolate que cobria as tigelas de chá dos camponeses trazidas do sul da China Song (nos séculos XII e XIII) pelos monges zen. Para seus usuários japoneses, essas mercadorias cor de chocolate incorporam a estética Zen do wabi (simplicidade rústica). Nos Estados Unidos, um exemplo notável do uso de esmaltes tenmoku pode ser encontrado nos inovadores potes cristalinos lançados pelo artista japonês Hideaki Miyamura.

A argila é escolhida em grande parte com base nos materiais locais disponíveis. Há uma abundância da maioria dos tipos básicos de argila no Japão. Devido aos depósitos de caulim que ocorrem naturalmente, muitas argilas de porcelana são encontradas em Kyushu. Os fornos eram tradicionalmente construídos em locais de depósitos de argila, e a maioria dos oleiros ainda usa argilas locais, tendo desenvolvido uma variedade de esmaltes e técnicas de decoração especialmente adequadas para essa argila. As argilas de cerâmica encontradas no arquipélago japonês variam de louças de barro fusíveis a caulins refratários. Do período Jōmon ao período Yayoi, os ceramistas japoneses confiaram no xisto de alto teor de ferro e em argilas aluviais. Materiais orgânicos aparecem em muitas das primeiras obras do período Jōmon, mas areia ou pedra britada predominam depois disso. Refinamentos posteriores ocorreram sob a influência chinesa nos séculos VIII e IX DC, quando os criadores das peças de três cores Nara e das peças vitrificadas com cinzas de Heian buscaram argilas brancas refratárias e aumentaram sua finura por meio da levigação. Em Kyoto, onde a demanda o torna prático e lucrativo, a argila é triturada, misturada (transformada em pasta) e filtrada comercialmente. Para usar a argila deve primeiro quebrá-la em pequenos pedaços, despejar um pouco de água sobre ela e bater com um "kine", um maço de madeira, até obter a plasticidade e uniformidade de textura que deseja. Em seguida, você passa por um processo de "aramomi" ou "cunha grosseira", um movimento de amassamento, após o qual a argila é armazenada por dois ou três dias, ou às vezes até uma semana. Antes que a argila esteja pronta para ser lançada, ela deve passar pelo Nejimomi ("cunha de parafuso") processo, que produz uma massa em forma de bala da qual todas as bolhas de ar foram removidas e no qual a estrutura granular é disposta de forma que irradie para fora do centro da massa.

As primeiras peças foram feitas pressionando o barro em forma. Este método continuou a ser empregado após a invenção da roda, como na produção de utensílios Rengetsu. Métodos enrolados desenvolvidos no período Jōmon. A produção por amassamento e corte de placas desenvolveu-se posteriormente, por exemplo, para figuras de barro Haniwa.

Roda de Potter Editar

O primeiro uso da roda de oleiro no Japão pode ser visto na cerâmica Sue. Enquanto as produções de Sue combinavam técnicas de roda e enrolamento, a cerâmica vidrada com chumbo feita sob influência chinesa do século VIII ao século X inclui formas feitas inteiramente na roda de oleiro.

A roda de oleiro original do Oriente era uma almofada circular de esteiras trançadas que o oleiro girava à mão e roda, e era conhecido no Japão como o Rokuro. Mas com a chegada do te-rokuro ou volante, a mecânica de lançamento tornou possível uma arte mais sutil. A cabeça da roda era uma grande, grossa e circular peça de madeira com orifícios rasos na superfície superior em torno da periferia do disco. O oleiro mantinha a roda em movimento inserindo um cabo de madeira em um dos orifícios e girando a cabeça da roda em seu eixo até atingir a velocidade desejada.

O volante é sempre girado no sentido horário, e o peso da grande cabeça da roda o induz, após a partida, a girar rapidamente por um longo período de tempo. As peças feitas no volante têm alto grau de precisão e simetria, pois não há movimento do corpo do oleiro durante o arremesso, como é o caso da roda de chute. Nos primeiros dias da fabricação de porcelana no Japão, as áreas de Kyoto, Seto e Nagoya usavam apenas o volante em outros lugares, na área de Kutani e em Arita, a roda de chute era empregada. A roda de chute de estilo japonês ou ke-rokuro foi provavelmente inventado na China durante o início da dinastia Ming. Seu design é semelhante em muitos aspectos ao do volante, ou pode ter uma ponta de madeira colocada na parte superior e um tubo de ferro, como as rodas posteriores. A roda do chute é sempre girada no sentido anti-horário, e o movimento inevitável do corpo do oleiro enquanto ele chuta a roda enquanto joga dá a muitos potes japoneses aquela falta de simetria casual que agrada ao gosto ocidental contemporâneo.

Após a Restauração Meiji em 1868, um aluno do Dr. Wagener foi à Alemanha para aprender como construir um forno descendente e observou muitas rodas operadas por correias em polias de um único eixo. Em seu retorno, ele montou um sistema semelhante na área de Seto, usando um homem para girar o volante que acionava o eixo e o sistema de polias. A partir deste início, a roda de duas pessoas se desenvolveu.

Hoje, a maioria dos ceramistas em Kyoto usa rodas elétricas, embora existam muitos estúdios que ainda têm um volante e uma roda de chute. No entanto, agora é difícil encontrar artesãos que possam fabricá-los ou repará-los.

Enrolar e lançar Editar

Em Koishibara, Onda e Tamba, grandes tigelas e potes são primeiro construídos em forma de bobina na roda, depois moldados por arremesso, no que é conhecido como "técnica de arremesso e enrolamento". As etapas preliminares são as mesmas da construção da bobina, após as quais a forma grosseira é lubrificada com deslizamento e moldada entre as mãos do oleiro enquanto a roda gira. O processo remonta a 360 anos, com uma técnica coreana trazida para o Japão após a invasão de Hideyoshi na Coréia.

Ferramentas Editar

Geralmente feitas de bambu ou madeira de crescimento rápido, essas ferramentas para moldar a cerâmica têm um toque natural que é altamente atraente. Enquanto a maioria são versões japonesas de ferramentas familiares no Ocidente, algumas são invenções japonesas exclusivas.

  • Gyūbera - ou "línguas de vaca" são longas costelas de bambu em forma de trenó, usadas para comprimir o fundo e dar forma às laterais de tigelas com as laterais retas. Eles são uma ferramenta tradicional de Arita, Kyushu.
  • marugote - são costelas de bambu redondas e rasas em forma de concha de amêijoas, usadas para moldar as laterais de tigelas curvas. Eles também podem ser usados ​​para comprimir o fundo de formulários lançados.
  • dango - semelhantes às nervuras de madeira, essas nervuras de bambu em forma de folha são usadas para modelar e alisar as superfícies de uma panela.
  • Takebera - Existem "facas" de corte e modelagem de bambu disponíveis em diversos formatos para entalhar, limpar potes molhados, cortar e produzir efeitos de esgoto.
  • tonbo - "libélulas" são o equivalente funcional dos compassos ocidentais com um recurso adicional. Suspenso de um Takebera ou equilibradas na borda de uma panela, essas delicadas ferramentas de bambu são usadas para medir o diâmetro e a profundidade das formas lançadas.
  • yumi - são harpas de arame e bambu que funcionam como uma ferramenta de canelura. Eles são usados ​​para cortar aros irregulares ou rasgados, bem como para facetar formas duras de couro.
  • tsurunokubi - "gargalos de grua", são bastões de lançamento de madeira japoneses curvos em S, utilizados para moldar o interior de peças de gargalo estreito, como garrafas e certos vasos.
  • Kanna - são ferramentas de corte, talha e incisão, de ferro, utilizadas para aparar peças, talhar, esgrafitar e raspar o excesso de esmalte.
  • tsuchikaki - é uma grande ferramenta de fita em laço feita de ferro que pode ser usada para aparar e esculpir.
  • umakaki - uma harpa aparadora usada para nivelar superfícies planas e largas, como o fundo de um prato ou prato raso.
  • kushi - não são estritamente uma ferramenta de arremesso, esses pentes são usados ​​para marcar um mínimo de duas linhas paralelas decorativas nas superfícies dos recipientes. Os maiores pentes têm cerca de 20 dentes.
  • pegue bon bon - também não é uma ferramenta de arremesso, mas um trailer japonês. UMA pegue bon bon é uma garrafa de bambu de alta capacidade com um bico do qual a pasta e o verniz podem ser despejados em um fluxo constante e controlado para que o oleiro possa "sugar" com ela.

Hundreds of different wares and styles have existed throughout its history. The most historic and well-known ones have received recognition from the government. For more information see the list of Japanese ceramics sites.

Nome Kanji Traditional Sites Notas Example image
Agano ware 上野焼 Fukuchi, Tagawa District, Fukuoka
Aizuhongō ware 会津本郷焼
Akahada ware 赤膚焼
Akazu ware 赤津焼
Amakusa pottery 天草陶磁器
Arita ware 有田焼 Arita, Saga The main source of Japanese export porcelain from the mid 17th-century onwards. Production began by Korean potters at the beginning of the Edo period. A multitude of kilns produced a variety of styles, including Imari ware and Nabeshima ware, and most early pieces in the Kakiemon style of decoration.
Asahi ware 朝日焼
Banko ware 萬古焼 Mie Prefecture Most are teacups, teapots, flower vases, and sake vessels. Believed to have originated in the 19th century.
Bizen ware 備前焼 Bizen Province Also called Inbe ware. A reddish-brown long-fired stoneware, which is believed to have originated in the 6th century. One of the first medieval utilitarian wares to be taken up for use in the tea ceremony, and promoted to the status of art pottery. [31]
Echizen ware 越前焼
Hagi ware 萩焼 Hagi, Yamaguchi Since it is burned at a relatively low temperature, it is fragile and transmits the warmth of its contents quickly.
Hasami ware 波佐見焼
Iga ware 伊賀焼
Iwami ware 石見焼
Izushi ware 出石焼
Karatsu ware 唐津焼 Karatsu, Saga The most produced pottery in western Japan. Believed to have started in the 16th century.
Kasama ware 笠間焼
Kiyomizu ware 清水焼 Kiyomizu, Kyoto A subcategory of Kyō ware
Koishiwara ware 小石原焼 Fukuoka Prefecture Most are teacups, teapots, flower vases, and sake vessels, and as a result of the Folk Art Movement, practical items for everyday household use. Originated by a Korean potter in the 16th century.
Kosobe ware 古曽部焼
Kutani ware 九谷焼 Ishikawa Prefecture
Kyō ware 京焼 Kyoto
Mashiko ware 益子焼
Mikawachi ware 三川内焼
Mino ware 美濃焼 Mino Province Includes Shino ware, Oribe ware, Setoguro ware, and Ki-Seto ware.
Mumyōi ware 無名異焼
Ōborisōma ware 大堀相馬焼 Fukushima Prefecture Image of a horse (uma ou koma), which is very popular in this area, is the main pattern. Therefore, it is sometimes called Sōmakoma ware.
Onta ware 小鹿田焼 Onta, Ōita Traditionalist ware produced by a small village community without electricity. Mostly simply but elegantly decorated slipware, in a style going back to the 18th century.
Ōtani ware 大谷焼 Naruto, Tokushima A large type of pottery
Raku ware 楽焼 A technique and style practised all over Japan, and now the world. Typically, vessels are hand-thrown without using a wheel, giving a simple and rather rough shape, and fired at low temperatures before being cooled in the open air. In modern periods combustible material is generally placed in the kiln, reacting unpredictably with the glaze pigments. There is a proverb of the hierarchy of ceramic styles used for tea ceremony: 'First Raku, second Hagi, third Karatsu.'
Satsuma ware 薩摩焼 Satsuma Province Earthenware, originally a local industry of plain vessels started by Korean potters about 1600. From the 19th century a term for a style of highly decorated ware produced in many areas, purely for export to the West.
Seto ware 瀬戸焼 Seto, Aichi The most produced Japanese pottery in Japan. Sometimes, the term Seto-yaki (or Seto-mono) stands for all Japanese pottery. Includes Ofukei ware.
Shigaraki ware 信楽焼 Shiga Prefecture One of the oldest styles in Japan. Famous for tanuki pottery pieces.
Shitoro ware 志戸呂焼
Shōdai ware 小代焼
Takatori ware 高取焼
Tamba ware 丹波立杭焼 Hyōgo Prefecture Also called Tatekui ware. One of the six oldest kinds in Japan.
Tobe ware 砥部焼 Ehime Prefecture Most are thick porcelain table ware with blue cobalt paintings.
Tokoname ware 常滑焼 Tokoname, Aichi Most are flower vases, rice bowls, teacup.
Tsuboya ware 壺屋焼 Tsuboya, Naha A form of Ryukyuan pottery. Most are thick porcelain table ware with blue cobalt paintings.
Zeze ware 膳所焼 Ōtsu, former Zeze domain Most are thick porcelain table ware with blue cobalt paintings.

A number of museums in Japan are dedicated entirely only to ceramics. Amongst the most well-known ones are the Aichi Prefectural Ceramic Museum close to Nagoya, the Arita Porcelain Park, the Fukuoka Oriental Ceramics Museum, the Kyushu Ceramic Museum, the Noritake Garden, the Museum of Oriental Ceramics, Osaka, the Okayama Prefectural Bizen Ceramics Museum, and the Ōtsuka Museum of Art. Public museums such as the Kyushu National Museum, Kyoto National Museum, Nara National Museum, Tokyo National Museum and Ishikawa Prefectural Museum of Art have important ceramic collections. A number of private museums also have important items such as the MOA Museum of Art, Mitsui Memorial Museum, Seikadō Bunko Art Museum, Fujita Art Museum and Kubosō Memorial Museum of Arts, Izumi. A number of important ceramic items are also owned and kept in various temples in Japan such as the Ryūkō-in, Kohō-an and Shōkoku-ji, however the items are not exhibited publicly.

Most ceramic museums around the world have collections of Japanese pottery, many very extensive. Japanese modern ceramic works are often very sought-after and expensive. Apart from traditional styles art and studio pottery in contemporary art styles are made for the international market.


Raku kilns should be small they also must be easily opened, with the opening large and safe enough for the ware to be removed from the kiln while still incandescently hot. There is any number of styles that can be used for raku, but in my experience, a well-designed top-hat kiln works exceptionally well. Top-loading kilns should be avoided.

Once the ware is loaded, the burner(s) are turned on. Since the kiln's interior size is so small, the internal temperature will increase very quickly into the incandescent ranges. Many raku firings take a half hour or less to get the kiln to temperature.

Watch is kept on the pots through one or more peepholes. Use UV-cutting safety goggles, since looking into hot kilns can damage the eye. Once the glaze can be seen to have become fluid and the surface has smoothed, the burner(s) shut off. Usually, this will be at about cone 08 (1735 F/945 C).

The kiln is opened immediately, while the interior is glowing incandescent. This level of heat requires safety issues be held firmly in mind as the kiln is opened and the work of quickly removing pots begins.


2. Tea Bowl with Black Glaze Attributed to Chojiro

Tea bowl with black glaze attributed to Chojiro, early 17th century, The Metropolitan Museum of Art, New York

Chojiro also worked for the tea master Sen no Rikyu (1522-1591) and created tea bowls to be used in chanoyu, the Japanese tea ceremony. Esses chawan attracted attention for their refinement and pure beauty. Chawan remain a popular form of artist expression today. Check out these 5 Extraordinary Tea Bowls for more works of ceramic art.


How to Take Care of Raku Pottery

For Raku Pottery, we strongly recommend initiating it before first use. Raku Pottery is very porous due to the method of firing, which makes it very fragile. Initiating it with a very fine powder (traditionally rice powder) makes it much more stable, protects it from breaking as easily, sudden heat change damaging it or the tea causing discoloration.

  1. Put a cup of rice in lukewarm water. Stir it around, so the rice powder comes off the rice and makes the water opaque. ATTENTION: Make sure the water is lukewarm (about room temperature), not hot or boiling, as the sudden big temperature change can break a new bowl!
  2. Put the Raku in the water so it is covered and let it sit there for about 15 minutes, so the rice powder enters the pores.
  3. Rinse the rice powdered water off in lukewarm water.
  4. Gently dry it with a clean cloth and let it sit for about a day, so all water leaves the pores and the powder sets.

To clean a Raku Pottery hold it under running water (lukewarm) and gently remove any tea residue. After washing it, gently dry with a clean cloth. We give a traditional cleaning cloth as a gift with every Raku Pottery bought at Sazen Tea.
Do NOT let it sit in water, as the bowl can fall apart. Do NOT put it in a dishwasher!
TIP: As tea has an antibacterial effect, using dish soap is not necessary. If absolutely needed, only use completely natural dish soap, because Raku Pottery absorbs it in its pores.


History of Raku-ware

Raku pottery was developed in Japan in the early 1500’s as the Ceremonial Tea Ware of the Zen Buddhist Masters. A palavra Raku signifies enjoyment of freedom. It was preferred by the Masters because of its humility, tasteful unpretentiousness, simple naturalness, and its deliberate avoidance of luxury… all very important to the Zen philosophy.

According to the Zen Masters, its elusive, subtle, yet vigorous beauty is Raku’s only worth, it is pottery without utility or function. Raku must be approached with a different criterion in mind, like a painting or a symphony.

It is valued because it is believed that the Spirit of the Maker is embodied in the form and revealed at the foot, which is traditionally left naked (unglazed). It is believed that if we are alert to ourselves, in contemplating the Raku form, we will recognize in it our own Spirit and Meaning.


Fujimoto Yoshimichi (1919-1992)

After graduating from art school ad being admitted to the Ministry of Education, Culture, Sports, Science, and Technology&rsquos industrial arts engineering training center, Fujimoto entered into an apprenticeship under Kato Hajime, and began producing works alongside Tomimoto Kenkichi as his pottery assistant in 1938.
Fujimoto won the Kofukaiten Kofukai Kogeisho Award in 1938, and after World War II exhibited works primarily in the various exhibitions held by the Japan Ceramics Society. Fujimoto won an award from the society as well as the silver prize from the International Academy of Ceramics in Geneva in 1956.
Furthermore, though Fujimoto for a time was a member of the avant-garde Sodeisha Society where he produced odjet d&rsquoart ceramics in addition to other kinds of pottery, from the mid 1960s he returned to more traditional styles, immersing himself in research of painted porcelain.
Developing works that feature the motifs of flowers and birds, painted with such realism that&rsquos evocative power superseded that of Nihonga artists. In addition to this, he created unique techniques such as that of Yubyokasai wherein images are added to works before firing via colored glazes, and it was for these techniques that he was designated as a holder of the title Nationally Important Intangible Cultural Property (Living National Treasure) in 1986.
In the interim however, after assuming a position as an instructor at the Kyoto City University of Arts in 1956, he continued to dedicate himself to his own education and guidance of a new generation of artists at the school in Kyoto as well as at Tokyo University of the Arts until 1990 (ending his tenure as dean of Tokyo University of the Arts), while also winning awards such as the gold prize from the Japan Ceramics Society and a Medal of Honor from the Government of Japan with a dark blue ribbon in the same year. For his seal, he is fond of suing the Kuma or bear seal made by Kenkichi.

- the highest appraised market value of art was over 30,000,000 JPY.


Clay and Pottery - Brief History


Indian Potter, Hyderabad, Andhra Pradesh, Southern India.

Pottery is our oldest handicraft. In prehistoric times, most likely water was carried in woven baskets lined with river clay. After the water was poured out of the container the layer of clay dried. The loss of moisture caused the shape to shrink and separate from the sides of the basket. When the clay, now shaped like a pot, was removed, and dried in the sun on hot sand, it retained the basket pattern. Early men and women then discovered that they could harden the molded pottery in hot ashes and make sturdy containers to transport and store food. From these would have been extended the pots formed by hand and decorated with crude tools.

From a very early date in history, some say at least 400 B. C., earthenware pottery was produced on a mass scale by a potter's wheel in many parts of the world.

Os egípcios made kilns to place their clay pots in for firing. The kiln was lined with a kind of insulation brick that was made from a mixture of straw and clay which had been dried in the sun. Later, the ancient Egyptians used a finer clay with a high quartz content for their delicate pottery. They rubbed the pieces with a smooth stone to give the a dull sheen or coated them with a fine layer of another color of clay.

Further experimentation lead the Egyptians to coat their clay objects with a bluish-green substance to make them non-porous. This was a glaze composed of quartz, soda, and a mineral containing copper which when fired covered the clay bowls and vases with a glass-like surface.


Grego antigo vases are highly valued for form and decoration. The graceful lines an perfect balance speak to our desire for beauty. The pottery was decorated with pictures of the daily lives of the people and stories of their gods, goddesses and heroes. On the red figure vases the background was painted black and the figures were left the natural red color of the clay. The color was reversed on the black-figured vases

No medieval times sand was mixed with clay to make cooking pots strong enough to be placed over an open fire. Today, for the same reason, casseroles used for baking are made from clay mixed with grog which is a ground-up fired pottery. The openness of grog clay allows water to evaporate more evenly as it dries and prevents cracking and warping during the firing. Grog clay eases the problem of heat expansion which can cause large thick pieces of pottery or sculpture to blow up in the kiln.

Around the middle of the thirteenth century German potters started to produce stoneware. This pottery was made form finer clays and fired at a higher temperature than earthenware. Stoneware was tan or gray in color, strong and naturally non-porous.

Light, transparent porcelain was first produced in China. Porcelain was made from a very plastic and pure clay called kaolin mixed with felspar. The colorful decoration of the porcelain was accomplished by firing each color individually after it was applied. These delicate china dishes and figurines were in demand all over Europe. In their efforts to unravel the secret of the composition of the Chinese porcelain, European and other Asian potters developed many variations in their glazing techniques.

Rakuware is another type of pottery of special interest. The crackled glaze of raku originated in Japan where tea bowls were modeled by hand from a very coarse clay (Hanson, 1970).

Late in the sixteenth century, a trade route through Manila, brought pottery from China to Acapulco to Vera Cruz, Mexico to Europe.


Classification by Type

Though Chinese pottery can be classified relatively neatly using the eras in which they were produced, certain technological and artistic developments spanning the dynasties occasionally makes it more useful to group such pottery according to type. There is a extensive range of ceramics created for a wide range of uses, from decoration, to storage facilities, to tea-ware, and even for burial purposes, but there are a select few that are so unusual that they have to be mentioned.

The first of these is sancai pottery, a term that is derived from the literal Chinese term ‘three colors’ – which is indicative of the character of the pottery itself. Though sancai pottery does not necessarily have to have three colors (it sometimes has more), the subtlety in the effect of the three-color glazes on the pottery has endured through the ages. The use of such a glaze seems to be especially popular with decorative ceramic statues, such as miniature clay horses or other such animals.

In stark contrast to the creams and light greens in sancai pottery, Jian tea wares (which reached the height of its popularity in the Song Dynasty) uses iron-rich clays and high temperatures to create a blackish molten glaze that is vivid in its dark shade and unusual in the ridged patterns created in the oxidizing process. This pattern, known as ‘hare’s fur’, later came to be used to create other such effects, such as the oil-spot, tea-dust and partridge-feather glaze effects, a technique that was greatly appreciated, and eventually copied, by Japanese potters.

Ding ware, on the other hand, is famed for the purity of the shade of its white paste, and the translucence of its glaze, a glaze so fine that it tended to run down the pottery and pool at the base, creating a ‘pool of tears’ effect, which was very much praised. Even so, as its beauty mainly relies on the purity of its color and the elegant simplicity of its form, it is often dismissed in favor of Ru ware, another popular pottery type during the Song period. Ru pottery used the ‘crazing’ of a glaze (the crackles caused on the surface of a glaze when it cools and contracts too quickly), to a highly stylized effect that was made deliberately, despite the previous perception that ‘crazing’ was a defect in glazed ceramics.

Despite the general emphasis on creating delicate and fine pottery, Jun ware also became popular in the Song Dynasty. The thicker pieces of ceramic were covered with a turquoise or purple glaze, which was so thick that the viscosity created a shimmering opalescence on the surface of the ceramic once it was placed in the kiln. Though considered cruder in its structure and bulk, the sheen of such pottery was very much appreciated at court, and is still the object of much acclaim in the modern day.

However, it is the blue and white pottery that is most famous out of all these types, which is best known for the incredible vividness of the blue glaze, combined with the purity of the fine white porcelain. Though evidence for its existence dates to as early as the 8th century AD, it is thought that the true evolution and development of this ceramic technique only fully came to be realized in the Tang Dynasty, and reached the zenith of its glory during the Qing Dynasty. Despite the detail and intricacy that is dedicated to a tableau on a piece of such pottery, unlike its Ancient Greek and Roman counterparts, blue and white pottery has never really been used a medium of narrations. However, its popularity has endured to the modern day, and it has continually inspired stories, research, and replications from all over the world.


Assista o vídeo: Raku Firing Full Video